Klasyka wiedeńska: Haydn, Mozart, Beethoven. Wiedeńska Szkoła Klasyczna

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Klasycy wiedeńscy weszli do światowej historii muzyki jako najwięksi reformatorzy gatunku muzycznego. Ich twórczość jest nie tylko wyjątkowa sama w sobie, ale także cenna, ponieważ determinowała dalszy rozwój teatru muzycznego, gatunków, stylów i trendów. Ich kompozycje położyły podwaliny pod to, co jest obecnie uważane za muzykę klasyczną.

Ogólna charakterystyka epoki

Tych autorów łączy to, co zrobili na przełomie dwóch głównych epok kulturowych i historycznych: klasycyzmu i romantyzmu. Klasycy wiedeńscy żyli w okresie przejściowym, kiedy aktywnie poszukiwano nowych form nie tylko w muzyce, ale także w fikcji, malarstwie i architekturze. Wszystko to w dużej mierze determinowało kierunek ich działalności i problematykę pisarstwa. XVIII-pierwsza połowa XIX wieku to okres poważnych wstrząsów politycznych, wojen, które dosłownie wywróciły mapę Europy do góry nogami i wywarły silny wpływ na umysły nowoczesnej inteligencji i wykształconych środowisk społecznych. Klasyka wiedeńska nie była wyjątkiem. Na przykład dobrze znanafakt, że wojny napoleońskie wywarły ogromny wpływ na twórczość Beethovena, który w swojej słynnej IX symfonii („Chóralnej”) głosił ideę powszechnej jedności i pokoju. Była to swego rodzaju odpowiedź na te wszystkie kataklizmy, które wstrząsnęły kontynentem europejskim w czasie, który rozważamy.

Życie kulturalne

Klasycy wiedeńscy żyli w okresie, kiedy barok zszedł na dalszy plan, a nowy kierunek zaczął odgrywać wiodącą rolę. Dążyła do harmonii form, jedności kompozycji, dlatego porzuciła wspaniałe formy z poprzedniej epoki. Klasycyzm zaczął determinować obraz kulturowy wielu państw europejskich. Ale jednocześnie już wtedy istniała tendencja do przełamywania sztywnych form tego nurtu i tworzenia mocnych dzieł z elementami dramatu, a nawet tragedii. Były to pierwsze oznaki pojawienia się romantyzmu, który zdeterminował rozwój kulturowy całego XIX wieku.

Reforma operowa

Klasyka wiedeńska odegrała decydującą rolę w rozwoju wszystkich gatunków muzycznych badanego okresu. Każdy z nich, że tak powiem, specjalizował się w jednym stylu lub formie muzycznej, ale wszystkie ich osiągnięcia zostały włączone do złotego funduszu world music. Gluck (kompozytor) był największym i jednym z najsłynniejszych kompozytorów swoich czasów. Trudno przecenić jego rolę w rozwoju teatru: w końcu to on nadał gatunkowi opery skończoną formę, w jakiej znamy ją teraz. Zasługą Christophera Glucka jest to, że jako pierwszy odszedł od rozumienia opery jako dzieła demonstrującego zdolności wokalne, ale stonowanymuzyczny początek dramaturgii.

Znaczenie

Gluck to kompozytor, który uczynił z opery prawdziwy spektakl. W jego twórczości, podobnie jak w twórczości jego naśladowców, wokal zaczął w dużej mierze zależeć od słowa. Fabuła i kompozycja, a co najważniejsze - dramat, zaczęły determinować rozwój linii muzycznej. W ten sposób opera przestała być wyłącznie gatunkiem rozrywkowym, ale przekształciła się w poważny rodzaj twórczości muzycznej o złożonej dramaturgii, psychologicznie interesujących postaciach i zniewalającej kompozycji.

Dzieła kompozytora

Wiedeńska szkoła klasyczna stanowiła podstawę światowego teatru muzycznego. Duża w tym zasługa Glucka. Jego opera Orfeusz i Eurydyka była przełomem w tym gatunku. Autor skupił się w nim nie na wirtuozerii wykonania, ale na dramaturgii postaci, dzięki czemu dzieło nabrało takiego brzmienia i jest nadal wykonywane. Inna opera - "Alceste" - była też nowym słowem w muzyce świata. Austriacki kompozytor po raz kolejny położył nacisk na rozwinięcie fabuły, dzięki czemu dzieło otrzymało mocną psychologiczną kolorystykę. Dzieło jest nadal wykonywane na najlepszych scenach świata, co wskazuje, że przeprowadzona przez Glucka reforma gatunku operowego miała fundamentalne znaczenie dla ewolucji teatru muzycznego jako całości i zdeterminowała dalszy rozwój opery w tym kierunku..

Kolejny etap rozwoju

Austriacki kompozytor Haydn należy również do słynnej galaktyki autorów, którzy wnieśli znaczący wkład wreformacja gatunków muzycznych. Najbardziej znany jest jako twórca symfonii i kwartetów. Dzięki nim maestro zyskał dużą popularność nie tylko w krajach Europy Środkowej, ale także poza jej granicami. Najbardziej znane są jego utwory, które weszły do światowego repertuaru pod nazwą „Twelve London Symphonies”. Wyróżnia ich poczucie optymizmu i pogody, które jednak cechuje niemal wszystkie utwory tego kompozytora.

Cechy kreatywności

Cechą charakterystyczną twórczości Josepha Haydna był ich związek z folklorem. W twórczości kompozytora często można usłyszeć motywy pieśni i tańca, dzięki którym jego twórczość jest tak rozpoznawalna. Odzwierciedlało to postawę autora, który na wiele sposobów naśladował Mozarta, uważając go za najlepszego kompozytora na świecie. Pożyczył od niego radosne, lekkie melodie, które sprawiły, że jego twórczość była niezwykle wyrazista i jasna w brzmieniu.

Inne prace autora

Opery Haydna nie są tak popularne jak jego kwartety i symfonie. Niemniej jednak ten gatunek muzyczny zajmuje poczesne miejsce w twórczości austriackiego kompozytora, dlatego warto wspomnieć o wielu jego utworach tego rodzaju, tym bardziej, że stanowią one ważny etap w jego twórczej biografii. Jedna z jego oper nosi tytuł Aptekarz i została napisana na otwarcie nowego teatru. Haydn stworzył też kilka innych tego typu dzieł dla nowych budynków teatralnych. Pisał głównie w stylu włoskiej opery buffa, a czasem kombinowałelementy komiksowe i dramatyczne.

Najbardziej znane kompozycje

Kwartety Haydna słusznie nazywane są perłą światowej muzyki klasycznej. Łączą w sobie główne założenia kompozytora: elegancję formy, wirtuozerię wykonawczą, optymistyczne brzmienie, różnorodność tematyczną i oryginalny sposób wykonania. Jeden ze znanych cykli nosi nazwę „Rosyjski”, gdyż jest poświęcony carewiczowi Pawłowi Pietrowiczowi, przyszłemu cesarzowi Rosji Pawłowi I. Kolejna grupa kwartetów przeznaczona jest dla króla pruskiego. Kompozycje te zostały napisane w nowy sposób, ponieważ wyróżniała je niezwykła elastyczność brzmieniowa, bogactwo kontrastujących odcieni muzycznych. To właśnie z tego typu gatunkiem muzycznym nazwisko kompozytora zyskało światowe znaczenie. W tym miejscu należy również zauważyć, że autor często uciekał się w swoich kompozycjach do tzw. „niespodzianek”, wykonując nieoczekiwane muzyczne pasaże w miejscach, w których publiczność najmniej się tego spodziewała. Wśród tak niezwykłych kompozycji jest Symfonia dziecięca Haydna.

Ogólna charakterystyka twórczości Mozarta

To jeden z najbardziej znanych autorów muzyki, który wciąż jest niezwykle popularny wśród fanów muzyki klasycznej i kochany na całym świecie. Sukces jego pism wynika z faktu, że wyróżnia je logiczna harmonia i kompletność. W związku z tym wielu badaczy przypisuje jego pracę epoce klasycyzmu. Inni uważają jednak, że wiedeński kompozytor stał się zwiastunem romantyzmu: wszak w jego utworach widoczna była już wyraźna tendencja do przedstawiania mocnych, nietuzinkowych obrazów, a takżegłębokie studium psychologiczne bohaterów (w tym przypadku mowa o operze). Tak czy inaczej, dzieła mistrza wyróżnia głębia, a jednocześnie niezwykła łatwość odbioru, dramatyzm i optymizm. Są łatwe i przystępne dla każdego, ale jednocześnie bardzo poważne i filozoficzne w swojej treści i brzmieniu. To fenomen jego sukcesu.

Opery kompozytorskie

Wiedeńska szkoła klasyczna odegrała decydującą rolę w rozwoju gatunku operowego. Ogromna zasługa w tym należy do Mozarta. Spektakle wystawiane do jego muzyki są nadal bardzo popularne i uwielbiane nie tylko przez prawdziwych melomanów, ale także przez masową publiczność. Być może jest to jedyny kompozytor, którego muzyka jest w jakiś sposób znana wszystkim, nawet jeśli mają najodleglejszy pomysł na jego twórczość.

Najbardziej znaną operą jest prawdopodobnie Wesele Figara. To chyba najweselsze i zarazem niezwykle zabawne dzieło autora. Humor brzmi niemal na każdej imprezie, co zapewniło mu taką popularność. Słynna aria głównego bohatera już następnego dnia stała się prawdziwym hitem. Muzyka Mozarta - pogodna, figlarna, figlarna, ale jednocześnie niezwykle mądra w swej prostocie - od razu zdobyła powszechną miłość i uznanie.

Kolejną znaną operą autora jest Don Giovanni. Pod względem popularności może nie ustępuje wyżej wspomnianej: produkcje tego spektaklu można oglądać w naszych czasach. Znamienne jest to, że dość złożonakompozytor przedstawił historię tego człowieka w bardzo prostej, a zarazem poważnej formie, tym samym po raz kolejny demonstrując swoje głębokie rozumienie życia. W tej pracy geniusz muzyczny zdołał pokazać zarówno elementy dramatyczne, jak i optymistyczne, które są nierozerwalnie związane we wszystkich jego utworach.

W naszych czasach opera „Czarodziejski flet” jest nie mniej znana. Muzyka Mozarta osiągnęła apogeum w wyrazistości. W tej kompozycji jest lekka, zwiewna, pogodna, a jednocześnie niezwykle poważna, tak że można się tylko zastanawiać, w jaki sposób autorowi udało się w tak prostych, harmonijnych dźwiękach przekazać cały system filozoficzny. Znane są też inne opery kompozytora, np. obecnie można cyklicznie usłyszeć „Miłosierdzie Tytusa”, zarówno w teatrze, jak i na koncercie. Tym samym gatunek operowy zajął jedno z głównych miejsc w twórczości genialnego kompozytora.

Wybrane prace

Kompozytor działał w różnych kierunkach i stworzył wiele utworów muzycznych. Mozart, którego „Nocna serenada” już dawno wykroczyła poza występy koncertowe i zyskała szeroką popularność, pisał bardzo prostym i przystępnym językiem. Być może dlatego często nazywany jest geniuszem harmonii. Nawet w tragicznych utworach był motyw nadziei. W „Requiem” wyraził swoje myśli o lepszym przyszłym życiu, aby pomimo tragicznego tonu muzyki, dzieło pozostawiało uczucie oświeconego spokoju.

Koncert Mozarta też jest innyharmonijna harmonia i logiczna kompletność. Wszystkie części są podporządkowane jednemu tematowi i łączy wspólny motyw, który nadaje ton całemu dziełu. Dlatego jego muzyki słucha się jednym tchem. W tego typu gatunku ucieleśnione zostały główne założenia twórczości kompozytora: harmonijne połączenie dźwięków i partii, lekkie, a zarazem wirtuozowskie brzmienie orkiestry. Nikt inny nie potrafił tak harmonijnie budować jego dzieła muzycznego jak Mozart. „Nocna serenada” kompozytora jest swego rodzaju standardem harmonijnego łączenia różnie brzmiących partii. Wesołe i głośne pasaże są bardzo rytmicznie zastępowane ledwie słyszalnymi partiami wirtuozowskimi.

Osobno należy powiedzieć o masach autora. Zajmują poczesne miejsce w jego pracy i, podobnie jak inne dzieła, są przepojone poczuciem jasnej nadziei i oświeconej radości. Warto również wspomnieć o słynnym „Tureckim Rondzie”, które wykroczyło poza występy koncertowe, dzięki czemu często można je usłyszeć nawet w reklamach telewizyjnych. Ale być może koncert Mozarta ma największe poczucie harmonii, w którym zasada logicznej kompletności osiągnęła najwyższy poziom.

Krótko o pracy Beethovena

Ten kompozytor należy w całości do epoki dominacji romantyzmu. Jeśli Johann Amadeusz Mozart stoi niejako u progu klasycyzmu i nowego kierunku, to Ludwig van Beethoven całkowicie przestawił się na przedstawianie w swoich utworach silnych pasji, silnych uczuć i wybitnych osobowości. Stał się być może najwybitniejszym przedstawicielem romantyzmu. Znaczący jest faktże, sięgając do tematów dramatycznych, tragicznych, napisał tylko jedną operę. Głównym gatunkiem pozostawały dla niego symfonie i sonaty. Przypisuje się mu zreformowanie tych dzieł, podobnie jak Gluck w swoim czasie zreformował przedstawienie operowe.

Uderzające w twórczości kompozytora było to, że motywem przewodnim jego dzieł był obraz potężnej, tytanicznej woli człowieka, który ogromnym wysiłkiem woli pokonuje trudności i wszelkie przeszkody. L. V. Beethoven poświęcił również wiele miejsca w swoich kompozycjach tematowi walki i konfrontacji, a także motywowi uniwersalnej jedności.

Niektóre fakty biograficzne

Pochodził z rodziny muzyków. Jego ojciec chciał, aby chłopiec został sławnym kompozytorem, więc pracował z nim, stosując dość surowe metody. Być może dlatego dziecko wyrosło z natury ponure i surowe, co później wpłynęło na jego pracę. Beethoven pracował i mieszkał w Wiedniu, gdzie studiował u Haydna, ale te studia bardzo szybko rozczarowały zarówno ucznia, jak i nauczyciela. Ten ostatni zwrócił uwagę na fakt, że w młodym autorze dominowały dość ponure motywy, co nie było wówczas akceptowane.

Biografia Beethovena również pokrótce opowiada o okresie jego entuzjazmu dla walki o wyzwolenie. Początkowo z entuzjazmem przyjął wojny napoleońskie, ale później, gdy Bonaparte ogłosił się cesarzem, porzucił pomysł napisania symfonii na jego cześć. W 1796 Ludwig zaczął tracić słuch. Nie przerwało to jednak jego twórczości. Już całkowicie głuchy, onnapisał swoją słynną IX symfonię, która stała się prawdziwym arcydziełem w światowym repertuarze muzycznym. Biografia Beethovena (nie można o tym krótko powiedzieć) zawiera również informacje o przyjaźni mistrza z wybitnymi ludźmi jego czasów. Mimo powściągliwego i surowego charakteru kompozytor przyjaźnił się z Weberem, Goethem i innymi postaciami epoki klasycznej.

Najbardziej znane prace

Jak już zostało powiedziane powyżej, cechą charakterystyczną twórczości L. V. Beethovena była chęć ukazania silnych, emocjonalnych postaci, walki namiętności, pokonywania trudności. Wśród dzieł tego gatunku szczególnie wyróżnia się Appassionata, który pod względem intensywności uczuć i emocji jest chyba jednym z najsilniejszych. Kompozytor, zapytany o pomysł jego powstania, odniósł się do sztuki Szekspira „Burza”, która według niego była źródłem inspiracji. Autor dokonał paraleli między motywami tytanicznych impulsów w twórczości dramaturga a własną muzyczną interpretacją tego tematu.

Jednym z najpopularniejszych dzieł autora jest „Sonata księżycowa”, wręcz przeciwnie, nasycona poczuciem harmonii i spokoju, jakby w opozycji do dramatycznej melodii jego symfonii. Wskazuje, że sama nazwa tego utworu została nadana przez współczesnych kompozytorowi, być może dlatego, że muzyka przypominała rozlewiska w cichą noc. To właśnie te skojarzenia pojawiły się u większości słuchaczy podczas słuchania tej sonaty. Nie mniej, a może nawet bardziej popularny jest słynny esej „Do Elise”,którą kompozytor zadedykował żonie rosyjskiego cesarza Aleksandra I Elizawiecie Aleksiejewnej (Ludzka). Kompozycja ta poraża niesamowitą kombinacją lekkich motywów i poważnych dramatycznych pasaży w środku. Szczególne miejsce w twórczości mistrza zajmuje jego jedyna opera „Fidelio” (przetłumaczona z włoskiego jako „Wierny”). Ta praca, jak wiele innych, przesycona jest patosem umiłowania wolności i wezwaniem do wolności. „Fidelio” nadal nie schodzi ze scen czołowych oper świata, choć opera zyskała uznanie, jak to prawie zawsze bywa, nie od razu.

Dziewiąta Symfonia

Ta kompozycja jest chyba najsłynniejszym spośród pozostałych dzieł kompozytora. Został napisany trzy lata przed jego śmiercią, w 1824 roku. IX Symfonia dopełnia długie i wieloletnie poszukiwania kompozytora idealnego utworu symfonicznego. Różni się od wszystkich poprzednich tym, że po pierwsze wprowadził partię chóralną (do słynnej „Ody do radości” F. Schillera), a po drugie, kompozytor zreformował w niej strukturę gatunku symfonicznego. W każdej części dzieła stopniowo ujawnia się główny temat. Początek symfonii jest dość ponury, ciężki, ale już wtedy odległy motyw dźwięków pojednania i oświecenia, który narasta wraz z rozwojem kompozycji muzycznej. Wreszcie w samym finale rozbrzmiewa dość mocny chóralny wokal, wzywający wszystkich ludzi świata do zjednoczenia. Tym samym kompozytor jeszcze mocniej zaakcentował główną ideę swojego dzieła. Chciał, aby jego myśl została wyrażona jak najdokładniej, więc nie ograniczał się tylko do muzyki, alewprowadził występ śpiewaków. Symfonia odniosła ogromny sukces: podczas pierwszego wykonania publiczność zgotowała kompozytorowi owację na stojąco. Wskazuje, że L. V. Beethoven skomponował go, gdy był już całkowicie głuchy.

Znaczenie szkoły wiedeńskiej

Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven stali się twórcami muzyki klasycznej, wywierając ogromny wpływ na całą późniejszą muzyczną historię nie tylko Europy, ale i świata. Trudno przecenić wagę tych kompozytorów i ich wkład w reformację teatru muzycznego. Działając w różnych gatunkach, stworzyli kręgosłup i formę dzieł, na podstawie których ich zwolennicy komponowali nowe dzieła. Wiele z ich kreacji już dawno wykroczyło poza występy koncertowe i było szeroko słyszane w filmach i telewizji. „Tureckie Rondo”, „Moonlight Sonata” i wiele innych utworów tych autorów znane są nie tylko melomanom, ale nawet tym, którzy nie znają się na muzyce klasycznej. Wiedeński etap w rozwoju klasyki jest słusznie nazywany przez wielu badaczy decydującym w historii muzyki, gdyż to właśnie w tym okresie ustanowiono główne zasady tworzenia i pisania oper, symfonii, sonat i kwartetów.