Równowaga w składzie: rodzaje i zasady

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Termin „kompozycja” oznacza połączenie pewnych elementów w jedną harmonijną całość. Pojęcie to jest stosowane z równym powodzeniem zarówno w naukach ścisłych, jak i ogólnie w teorii sztuki. Równowaga w składzie jest jednym z dwóch niezbędnych warunków jego obecności. Drugi to połączenie wszystkich elementów składowych przedmiotu w jedną formę. Ponieważ zarówno sztuka, jak i architektura czy inżynieria dążą do harmonii, widząc w niej swój główny i niezmienny cel, spełnienie tych dwóch warunków jest jedyną prawdziwą konstrukcją kompozycji.

Ogólne koncepcje teoretyczne

Nauka o kompozycji identyfikuje trzy jej odmiany, które w praktyce często są ze sobą ściśle powiązane i wzajemnie się uzupełniają, czasami dając najbardziej nieoczekiwane i wieloaspektowe kombinacje. Efektem tego są arcydzieła kultury. Należą do nich: kompozycje czołowe, wolumetryczne i głębokoprzestrzenne.

Z całą złożonością, jaką demonstruje każdy obraz, struktura lub inna kreacja, która pojawia się w wyniku aktu sztuki, musi być wyważona, co wyraża się przede wszystkim w wizualnej stabilności kompleksu elementówjego elementy. Jednocześnie nie zawsze mówimy o ścisłej symetrii. Równowaga w kompozycji tkwi w równowadze wszystkich detali (a także składających się z nich fragmentów) względem środka. Jednocześnie potrzeba osiągnięcia takiej stabilności jest oczywiście podyktowana samą naturą. Świadczyć o tym może fakt, że zarówno świat zwierzęcy, roślinny, jak i świat nieożywiony cechuje równowaga składu. Przykłady są wszędzie: liść klonu, kryształ śniegu, muszla małża itp.

Poszukiwanie harmonii w układzie elementów jest intuicyjnie realizowane przez osobę o artystycznym myśleniu. To pragnienie można prześledzić w historii kultury światowej od tysięcy lat. W szczególności wyraża się to pragnieniem symetrii, co świadczy np. o wizualnej równowadze mas w kompozycji starożytnych katolickich katedr, cerkwi ze skrzyżowanymi kopułami starożytnej Rosji i oczywiście w zespole egipskich piramid.

Symetria i asymetria

Jak wiesz, absolutna proporcjonalność nie istnieje w naturze. Nie ma w nim też całkowitej asymetrii. Jednak fakt lustrzanej zasady budowy bezwzględnej większości istot żywych (a także wielu elementów przyrody nieożywionej) wskazuje, że wszystko na świecie dąży do proporcjonalności. Kreacje ludzkie również skłaniają się ku niemu.

Zrównoważenie mas w kompozycji uzyskuje się poprzez prawidłowe rozmieszczenie jej elementów w płaszczyźnie lub względem punktu centralnego. Symetria to jego najbardziej kontrastowa cecha. Rozważany jest wspomniany powyżej typ lustranajczęstsze zarówno w cudowności, jak iw sztuce. Jego istotą jest bliski równemu stosunkowi części obiektu względem osi pionowej lub poziomej.

Takie rodzaje składu wagi, jak symetria osiowa i śrubowa, powstają w wyniku obrotu wokół osi. W pierwszym przypadku, podczas obracania, różne elementy można wielokrotnie łączyć. W drugim dynamika tworzona jest za pomocą różnych technik artystycznych - ruchu spiralnego wokół statycznej osi.

Nie należy jednak zakładać, że artysta może osiągnąć harmonię w swojej twórczości tylko dzięki ścisłemu przestrzeganiu norm proporcjonalności. Jednym ze sposobów osiągnięcia tego w sztukach plastycznych, architekturze, prozie i poezji jest asymetria, która jest również zawarta w podstawach kompozycji. Równowaga przy braku formalnej równości elementów pozwala na osiągnięcie prawidłowego rozmieszczenia i połączenia wszystkich części obiektu zgodnie z ich kolorem, odcieniami i masą. Takie techniki możemy zaobserwować na przykład w obrazach „Pejzaż z Polifemem” Poussina i „Madonna w grocie” Leonarda da Vinci.

Wartość skali

Wizualna równowaga brył w kompozycji przy całkowitym braku symetrii ma również zastosowanie w architekturze. Przykładem jest katedra św. Andrzeja, która posiada nieproporcjonalne wieże (jedna z charakterystycznych cech stylu wiktoriańskiego). Asymetria jest w sztuce techniką bardziej złożoną i w przeciwieństwie do metody lustra czytana jest stopniowo. Będąc sposobem na przekazanie intencji artysty i dążeniu do jak najpełniejszego jej wyrażenia,dysproporcja ujawnia dynamiczną równowagę kompozycji. Demonstrując równowagę różnych elementów o różnym stopniu masywności, tworzy iluzję ich ruchu we wspólnych granicach.

Rzeczywista masywność obiektów jest odczytywana wyłącznie poprzez ich porównanie, aw procesie oceny używany jest termin „skala”. Aby stworzyć poprawną kompozycyjnie asymetrię, dużą wagę przywiązuje się do najdrobniejszych szczegółów jako skutecznego środka wyrazu artystycznego. Jednocześnie za pomocą skali nie można odejść od proporcji, ponieważ są one ściśle powiązane. Ponieważ jest to najbardziej złożone prawo równowagi w kompozycji.

Zasada proporcji polega na utrzymywaniu stałej relacji między dwiema lub więcej wielkościami. Zwiększając jeden do pewnych limitów, drugi powinien zostać zwiększony o tę samą liczbę.

Geometria w sztuce

Zgodność z powyższą zasadą pozwala osiągnąć proporcjonalność i pełną harmonię elementów w stosunku do części i rdzenia tematu. Zasada proporcji jest klasykiem wśród uniwersalnych środków stosowanych w kompozycji. Istnieje wiele prac naukowych na temat „Równowaga w grafice i architekturze”.

Tak więc, w bezwzględnej proporcji, tak zwany złoty odcinek został odkryty wiele wieków temu. Termin ten został wprowadzony do szerokiego użytku przez wielkiego geniusza Leonardo da Vinci. Taka proporcja implikuje równowagę w kompozycji, wyrażoną matematycznie liczbą 1, 62. Graficznie jest ona przekazywana przezbudowanie geometrycznie idealnej pięcioramiennej gwiazdy, której każda strona może być warunkowo podzielona na dwie części. W takim przypadku powstałe części są ze sobą skorelowane w proporcji „złotej sekcji”.

Sekret tej proporcji, według naukowców, był znany wiele tysiącleci temu. Efektem zastosowania tej formuły jest właśnie równowaga w składzie, której przykłady nasza epoka odziedziczyła w postaci tak okazałych struktur, jak Partenon i piramidy egipskie. Budynki wykonane w tych samych proporcjach znajdują się również w Indiach i Chinach, we Włoszech i Grecji.

Figury w malarstwie

W poszukiwaniu najbardziej wyrazistych schematów, artyści wszystkich wieków z szacunkiem obchodzili się z każdym istotnym szczegółem fabuły, tworząc kompozycję. Sztuka większości mistrzów zarówno renesansu, jak i wczesnego klasycyzmu opiera się na równowadze kształtów geometrycznych. Na przykład w obrazie „Pejzaż z Polifemem” N. Poussina dwa detale kompozycyjne to duże małe trójkąty wpisane jeden w drugi. Natomiast postacie z obrazu Leonarda da Vinci „Madonna w grocie” łatwo układają się w piramidę, której szczytem jest sama Dziewica.

Aby przekazać artystę nieruchomy obraz, pomaga technika taka jak kompozycja statyczna, w której równowagę geometrycznych kształtów uzyskuje się poprzez rozciągnięcie wszystkich linii do rdzenia obrazu. Przykładem takiego rozwiązania jest ikonografia, gdzie najczęstszym układem elementów fabuły jest okrąg,kwadratowy lub prostokątny, a często występuje ścisła symetria.

Statyczność jest niezbędna do przekazania stanu spoczynku, zamknięcia przestrzeni. Taka kompozycja jest niezbędna w fabułach nie zawierających dynamiki. Tak więc w obrazie „Portret Kseni Tishininy” I. Vishnyakovej nawet postać samej bohaterki tworzy wyraźnie określony trójkąt regularny i jest jedynym elementem napisanym w jasnych kolorach.

Schemat otwarty skład

Z nadejściem renesansu sama koncepcja postawy uległa radykalnej zmianie. Znacznie poszerzyły się granice ludzkiej świadomości, co w zupełnie naturalny sposób znalazło odzwierciedlenie w malarstwie, muzyce, literaturze i architekturze. Niezwykle ograniczony świat rozszerzył się do nieskończonych granic, a zamknięta kompozycja została zastąpiona otwartą.

Idąc w kierunku zrozumienia harmonii w każdym obrazie, artysta w naturalny sposób koncentruje się na czysto osobistych odczuciach i odwołuje się do swojego myślenia figuratywnego. I choć samego aktu twórczości nie da się przeanalizować, większość stosowanych technik można przeczytać i rozważyć bardziej szczegółowo. W szczególności dotyczy to schematów artystycznych, dzięki którym uzyskuje się równowagę w kompozycji. Przykłady rysunków, których fabuła obejmuje rozległe krajobrazy z dużą listą różnorodnych detali, pozwalają wyraźnie zaobserwować właściwy stosunek różnych części w jednej strukturze.

Wartość szczegółów po osiągnięciu równowagi

Jedną z najbardziej ilustracyjnych prac w tym sensie sąpłótna Velasqueza. Tak więc w jego cudownym dziele „Poddanie się Bredy” zaskakująco wyraźnie zaznaczono równowagę pochmurnych i jasnych plam, jasnych i neutralnych odcieni, połączenie masywnych detali i kompetentnego pisania planu.

Główny element fabuły znajduje się dokładnie na środku płótna. Postacie stoją naprzeciw siebie. Głowa zwycięzcy jest nieco wyższa niż głowa dotkniętego wroga i wygląda jak jasny punkt na tle znudzonych żołnierzy i zielonkawego dystansu. Postać gubernatora wręczającego symboliczny klucz do upadłego miasta jest napisana na jasnym tle. Jest nieco śniady, a jego twarz jest obramowana śnieżnobiałym kołnierzykiem. Podobne kontrasty można prześledzić na całym płótnie.

Jedną ukośną linię tworzy szal, którym zwycięzca jest wiązany od ramienia do bioder, a drugą jest sztandar pokonanego wroga i linie rąk głównych bohaterów. Wizualne wrażenie głębi obrazu uzyskuje się za pomocą kilku lekkich pociągnięć - głowa konia po lewej stronie gubernatora i biała koszula wojownika obok niej.

"Surrender of Breda" to płótno, które demonstruje podstawowe zasady kompozycji. Równowagę na nim osiąga się poprzez opracowanie kilku planów, zwieńczonych perspektywą odległości.

Zasada chronotopu

Równowaga w kompozycji może być również osiągnięta poprzez przedstawienie na zdjęciu trwających wydarzeń. Ta technika była z powodzeniem stosowana przez starożytnych rosyjskich artystów. Tak więc nowogrodzcy malarze późnego średniowiecza stworzyli rzeźbiony obraz w kolorach, którego fabuła została oparta na słynnej bitwie armii nowogrodzkiej zSuzdala. W pracy tej zastosowano trójpoziomową kompozycję: wykonano trzy niezależne rysunki w rzędzie (od góry do dołu), z których każdy przedstawiał osobny odcinek. Jednocześnie będąc ściśle jeden nad drugim, reprezentują jeden obraz.

Podobną i nie mniej powszechną metodą rozwiązywania problemów kompozycyjnych jest tworzenie obrazu na podstawie wydarzeń, które miały miejsce w różnych miejscach i czasie, ale łączy jedna fabuła. Często taki obraz to duże płótno z centralnym epizodem pośrodku i wieloma małymi fragmentami rozmieszczonymi wokół. Z reguły takie prace należą do gatunku malarstwa ikonowego lub po prostu do prac o tematyce religijnej, obrazy Hieronima Boscha mogą służyć jako uderzający przykład.

Kompozycja w sztukach dekoracyjnych

Sposoby i metody przekazywania intencji artystycznych różnią się w zależności od rodzaju sztuki, w której pracuje autor. W tym przypadku można oczywiście zaobserwować podobne, a nawet ogólne wzorce. Jednak każde rzemiosło jest wyjątkowe i specyficzne, dlatego każdy ze środków budowania kompozycji może być zastosowany na różne sposoby.

Obraz powinien być organiczny i łączyć wszystkie elementy z maksymalną naturalnością, bez narzucania pomysłu. A jeśli jednym z celów standardowego obrazu jest przeniesienie iluzji przestrzeni w jego objętości i głębi, to w ludowym obrazkuW sztuce mistrz stara się podkreślić relief i detal, używając do tego własnych specjalnych metod. Techniki sztuki dekoracyjnej zasadniczo różnią się od metod konstruowania kompozycji stosowanych przez klasycznego artystę. Na przykład, ponieważ przedstawiony krajobraz nie może być ukazany w jego głębi, mistrz umieszcza odległy plan bezpośrednio nad bliskim. Takie metody stosowali także starożytni rosyjscy malarze ikon.

Właśnie dzięki większej widoczności i oczywistości techniki mistrzów sztuki zdobniczej i malarstwa ikonowego stają się przedmiotem studiów na zajęciach plastycznych w klasach podstawowych. Konspekt lekcji z reguły zawiera definicję pojęć „rytm” i „forma” - obiekty zapewniające równowagę w kompozycji (stopień 2).

Techniki komponowania

Zadania, jakie stawia przed malarzem każda jego praca, wymagają tylko właściwych rozwiązań. Dotyczy to również technik, które są wykorzystywane przy konstruowaniu kompozycji. Metody stosowane przez każdego pojedynczego artystę muszą być oryginalne i innowacyjne.

Istnieje wiele rzeczy do rozważenia, aby przestrzegać reguł kompozycji:

• dużo opisanych pozycji;
• wymiary każdego i (na podstawie tego) ich położenie na arkuszu;
• rytm linii i pociągnięć koloru;
• sposób przekazania punktu widzenia autora;
• metody opisujące przestrzeń.

Ważne jest również, ilesylwetki postaci są wyraźnie określone, biorąc pod uwagę zestaw kolorów całego obrazu. Kompozycja jest rodzajem specjalnego profesjonalnego środka artysty, za pomocą którego udaje mu się przekazać swoją wizję otaczającego go świata, własne zmysłowe wyobrażenia, skojarzenia, wrażenia itp. Umiejętności te doskonali każdy mistrz z roku na rok. rok.

Praca nad kompozycją

Każdy obraz artystyczny jest opracowywany przez autora z wyprzedzeniem i przez dość długi czas. Prawdziwie poprawna konstrukcja kompozycji zobowiązuje artystę do perfekcyjnego opanowania tych umiejętności. Dlatego umiejętność stosowania niezbędnych do tego technik powinna być stale doskonalona.

Aby zachować równowagę głównych elementów składu na arkuszu, musisz mieć prawdziwy profesjonalizm. Nawet zwykła kropka umieszczona na białej powierzchni papieru rodzi wiele pytań dla artysty, ponieważ wrażenie, jakie ona wywiera, będzie się zmieniać w zależności od tego, gdzie dokładnie się znajdzie. To samo dotyczy każdego innego przedmiotu umieszczonego na płótnie.

Podstawowe zasady i techniki budowania kompozycji są owocem rozległej historii sztuki. Jednak z wieku na wiek uzupełniane są bogatym doświadczeniem nowych pokoleń artystów. Technika kompozycji zmienia się, rozwija i zawsze odpowiada twórczej pozycji mistrzów poszczególnych pokoleń.

Przelew salda

Dzięki wyraźnej symetrii szczegóły obrazu lub innego obiektu artystycznego są zrównoważone kompozycyjnie. Jeśli chodzi oobraz asymetryczny, wówczas jego elementy mogą być umieszczone względem siebie zarówno w równowadze, jak i poza nią. Aby to zrobić, istnieje cała lista sztuczek: rozległą smugę jasnych odcieni można zrównoważyć małą ciemną plamą; seria małych plamek jest równoważona przez jedną dużą itd. W ten sposób różne części płótna są równoważone w zależności od ich wymiarów, wagi, odcieni i innych cech.

Poza tym nie tylko fragmenty (postacie, detale otaczającej przestrzeni itp.) powinny być zrównoważone, ale także przestrzeń między nimi. Równocześnie równowagi kompozycyjnej nie należy nawet porównywać z matematyczną równością wielkości. Umiejętność intuicyjnego odczuwania tego jest albo dana przez naturę, albo może być rozwijana z biegiem czasu w procesie niestrudzonej pracy. Jeśli chodzi o obraz asymetryczny, to w nim centrum semantyczne albo znajduje się na krawędzi obrazu, albo jest całkowicie nieobecne.

Saldo składu w każdym przypadku zależy od:

• prawidłowe rozmieszczenie ogromnych szczegółów obrazu;
• plastyki i rytmy pisania artystycznego;
• proporcje, w jakich zapisany jest każdy fragment płótna;
• dobrze dobrane odcienie i kolory obrazu.

Zasady budowy

Równowagę głównych elementów kompozycji na arkuszu uzyskuje się poprzez ścisłe przestrzeganie podstawowych zasad ich łączenia. Pierwszym z nich (i nie najbardziej oczywistym) jest celowość. Faktem jest, że sztuka jest jak przestrzeń, w której wszystko podlega ścisłej logice, dyscyplinie i starannej ekonomii.środki wizualne i ekspresyjne, wymaga wyraźnej korespondencji między stopniem wysiłku przyłożonym do określonego zadania. Każda praca powinna być zbudowana w sposób zwięzły i jak najbardziej produktywny pod względem przekazywania idei i intencji artysty.

Kompozycja w swej istocie jest połączeniem odmiennych rzeczy, które dzięki umiejętnemu połączeniu zaczynają działać możliwie jak najbardziej produktywnie i we wzajemnej zależności reprezentują coś nowego i wspólnego. To mówi o zasadzie jedności i integralności, której musi przestrzegać każdy malarz. Aby zrozumieć, czy to prawo jest przestrzegane na płótnie, należy w myślach usunąć z obrazu dowolną część kompozycji. W przypadku, gdyby w wyniku tego działka nie została uszkodzona, można śmiało stwierdzić, że zasada integralności jest oczywiście naruszona. To samo można powiedzieć o zmianie miejsc części kompozycji i wprowadzeniu do obrazu nowych elementów.

Osiągnięcie jedności i uczciwości

Aby przestrzegać wszystkich zasad kompozycji, należy zastosować następujące techniki:

1. Odpowiednie nałożenie obiektów, pozwala uwydatnić plany. Ponadto ta technika daje poczucie głębi przestrzeni i nadaje objętość obrazu.
2. Zgodność z jednością formy i charakteru oznacza pracę w ten sam sposób i w tym samym stylu. Linie i elementy plastikowe muszą być ze sobą połączone. Kolory należy dobierać w tym samym tonie i w razie potrzeby powtarzać. To samo dotyczy tekstury.
3. Kompozycja powinna zawierać formę uogólnioną, natomiast formę malarską i ekspresyjnąrozwiązanie obrazu również powinno być jednolite.

Ponadto, aby osiągnąć integralność i równowagę kompozycyjną, konieczne jest przestrzeganie ścisłej sekwencji działań na wszystkich etapach tworzenia dzieła. Na początek należy dokładnie przemyśleć plan pracy. Po opracowaniu wszystkich elementów strukturalnych kompozycji konieczne jest określenie stopnia korelacji jej głównych części. Aby było to możliwe, łączą plastyczne bryły obrazu, których sylwetki mogą następnie zawierać detale.