Belcanto to technika śpiewu wirtuozowskiego. Trening wokalny. śpiew operowy

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Długie linie muzycznych fraz, melodyjne pasaże i wdzięki, niesamowita kontrola głosu i dopracowane piękno wirtuozowskiego śpiewu. Na przełomie XVI i XVII wieku we Włoszech powstała szkoła śpiewu, która dała światu wykonawczą technikę wokalną, którą zachłanni do pretensjonalnych określeń Włosi nadali nazwę bel canto (bel canto) – „piękny śpiew”. Nie przesadzajmy, wyznaczając ten okres jako początek rozkwitu teatralnych wokali i punkt wyjścia do dalszego rozwoju gatunku operowego.

Narodziny Opery: Florencja

Pierwsze opery, które pojawiły się w opisywanym okresie, zawdzięczają swoje narodziny członkom niewielkiego kręgu miłośników sztuki antycznej, powstałego we Florencji i przeszło do historii muzyki pod nazwą „Florence Camerata”. Miłośnicy starożytnej greckiej tragedii marzyli o wskrzeszeniu dawnej świetności tego gatunku i byli zdania, że aktorzy nie mówią, ale śpiewają słowa, używając recytatywu, melodyjnego płynnego przejścia dźwięków, by odtworzyć tekst.

Pierwsze utwory napisane na wątku starożytnego greckiego mitu o Orfeuszu stały się impulsem do narodzin nowego gatunku muzycznego- opery. A solowe partie wokalne (aria), stanowiące jego integralną część, zmusiły śpiewaków do poważnego zaangażowania się w kształcenie głosu, co było przyczyną powstania sztuki pięknego śpiewu - bel canto. Oznaczało to możliwość wykonywania długotrwałych fragmentów melodycznych na długim oddechu, przy jednoczesnym zachowaniu płynnej produkcji dźwięku w całej muzycznej frazie.

Szkoła neapolitańska

Pod koniec XVII wieku ukształtowała się neapolitańska tradycja operowa, ostatecznie wprowadzając na teatralną scenę sztukę belcanta. Był to zarówno rozwój idei florenckiej, jak i jej zmiana. W Neapolu głównym składnikiem spektaklu stała się muzyka i śpiew, a nie poezja, której dotąd przypisywano dominującą rolę. Ta innowacja ucieszyła publiczność i wywołała ogromny entuzjazm.

Neapolitańscy kompozytorzy przekształcili strukturalnie operę. Nie zrezygnowali ze stosowania recytatywów, które podzielili na różne typy: z akompaniamentem (z towarzyszeniem orkiestry) i suche, zawierające informacje prezentowane w sposób potoczny, do rzadkich akordów klawesynowych dla zachowania muzycznej tonacji. Trening wokalny, który stał się obowiązkowy dla wykonawców, zwiększył popularność numerów solowych, których forma również ulegała zmianom. Pojawiły się typowe arie, w których bohaterowie wyrażali uczucia w sposób uogólniony, w odniesieniu do sytuacji, a nie na podstawie obrazu czy postaci. Żałosne, bufonadowe, codzienne, namiętne, zemsty arie – wewnętrzna przestrzeń neapolitańskiej opery wypełniła się żywą treścią.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Wybitny kompozytor i entuzjasta Scarlatti przeszedł do historii jako założyciel szkoły operowej w Neapolu. Stworzył ponad 60 prac. Gatunek poważnej opery (opera seria), stworzony przez Scarlattiego, opowiadał o życiu słynnych bohaterów za pomocą wątku mitologicznego lub historycznego. Śpiew operowy zepchnął dramatyczną linię spektaklu na dalszy plan, a recytatywy ustąpiły ariom.

Szeroka gama partii wokalnych w poważnej operze poszerzała wymagania, jakie musiały spełniać głosy operowe. Wykonawcy doskonalili się w sztuce śpiewania, choć czasem budziło to ciekawostki – każdy z nich chciał, aby kompozytor włączył do opery arie korzystnie podkreślające dostojeństwo głosu. Rezultatem był zbiór niepowiązanych ze sobą numerów solowych, które doprowadziły do tego, że opera seria została nazwana „koncertem kostiumowym”.

Piękno i rzemiosło

Kolejnym wkładem neapolitańskiej szkoły operowej w rozwój belcanta było zastosowanie ornamentalnych (koloraturowych) dekoracji palety muzycznej w partiach wokalnych. Koloratura została wykorzystana na końcu arii i pomogła wykonawcom zademonstrować publiczności stopień kontroli głosu. Wielkie przeskoki, tryle, pasaże dystansowe, użycie sekwencji (powtarzanie frazy muzycznej lub zwrot melodyczny w różnych rejestrach lub tonacjach) - w ten sposób zwiększyło paletę wyrazu, jaką posługują się wirtuozi bel canto. Doprowadziło to do tego, że często oceniano stopień umiejętności śpiewakaw zależności od złożoności wykonywanej przez niego koloratury.

Włoska kultura muzyczna stawiała wysokie wymagania. Głosy znanych śpiewaków wyróżniały się pięknem i bogactwem barw. Trening wokalny pomógł poprawić technikę wykonania, osiągnąć równomierność i płynność dźwięku we wszystkich zakresach.

Pierwsze ogrody zimowe

Zapotrzebowanie na bel canto doprowadziło do powstania pierwszych instytucji edukacyjnych, które szkoliły śpiewaków. Domy dziecka - konserwatoria - stały się pierwszymi szkołami muzycznymi w średniowiecznych Włoszech. Uczono w nich techniki bel canto na zasadzie naśladownictwa, powtarzania za nauczycielem. To tłumaczy wysoki poziom wyszkolenia ówczesnych śpiewaków. W końcu uczyli się u uznanych mistrzów, takich jak Claudio Monteverdi (1567-1643) czy Francesco Cavalli (1602-1676).

Uczniowie skomponowali specjalne ćwiczenia rozwijające głos, solfeż, które trzeba było powtarzać, doskonaląc technikę śpiewu i rozwijając oddech - umiejętności tak potrzebne w bel canto. Doprowadziło to do tego, że po rozpoczęciu treningu w wieku 7-8 lat, w wieku 17 lat, z murów oranżerii wynurzyli się profesjonalni wykonawcy sceny operowej.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Swoim wyglądem włoski belcant wyznaczył kierunek rozwoju operowej kultury muzycznej na następne trzy stulecia. Kamieniem milowym w jej rozwoju była twórczość włoskiego kompozytora G. Rossiniego. Energia rytmiczna, błyskotliwość i mobilność partii wokalnych wymagały od wykonawców bogatej różnorodności barw, wirtuozerii iwyjątkowa szkoła śpiewu. Nawet śpiewane arie i recytatywy w kompozycjach Rossiniego wymagały pełnego poświęcenia.

Melodyzm Rossiniego utorował drogę klasycznemu belcantowi, wyróżniającemu się kompletnością fraz, delikatną i zwiewną czystą, swobodnie płynącą gładką melodią (kantylena) oraz zmysłowo wysublimowanym żarem. Warto zauważyć, że sam kompozytor znał sztukę śpiewu z pierwszej ręki. Jako dziecko śpiewał w chórze kościelnym, a w wieku dorosłym oprócz komponowania z entuzjazmem poświęcił się pedagogice wokalnej, a nawet napisał kilka książek na ten temat.

Pedagogika

Włoski śpiew operowy, który stał się symbolem europejskiej kultury muzycznej XVII-XIX wieku, pojawił się dzięki pracy utalentowanych, innowacyjnych nauczycieli, którzy studiowali śpiew i eksperymentowali z głosem ludzkim, doprowadzając jego brzmienie do perfekcji. Techniki opisane w ich pismach są nadal używane w przygotowaniu śpiewaków.

Żaden szczegół nie umknął uwadze nauczycieli. Uczniowie zrozumieli tajniki swobodnego i łatwego oddychania śpiewem. Trening wokalny zakładał umiarkowaną głośność, krótkie frazy melodyczne i wąskie interwały, co pozwoliło zastosować oddychanie głosowe, charakteryzujące się szybkim i głębokim oddechem, po którym następuje powolny wydech. Opracowano kompleksy ćwiczeń do treningu jednorodnej produkcji dźwięku w wysokich i niskich rejestrach. Nawet trening przed lustrem był częścią szkolenia dla początkujących wykonawców – nadmierna mimika i napięta mimika zdradzały konwulsyjną pracęurządzenie głosowe. Zalecono, aby trzymać się luźno, stać prosto i przy pomocy uśmiechu uzyskać wyraźny i bliski dźwięk.

Nowe techniki śpiewania

Złożone partie wokalne, dramaturgia i przedstawienia teatralne stawiały przed śpiewakami trudne zadania. Muzyka odzwierciedlała wewnętrzny świat bohaterów, a głos stał się integralną częścią całościowego wizerunku scenicznego. Wyraźnie przejawiało się to w operach G. Rossiniego i G. Verdiego, których twórczość oznaczała narodziny stylu bel canto. Szkoła klasyczna uważała za dopuszczalne używanie falsetu na wysokich tonach. Dramaturgia odrzuciła jednak to podejście - w scenie heroicznej męski falset wszedł w dysonans estetyczny z emocjonalnym zabarwieniem akcji. Jako pierwszy ten próg głosu pokonał Francuz Louis Dupre, który zaczął stosować sposób wydawania dźwięków, który ustanawia fizjologiczne (zwężenie krtani) i fonetyczne (język w pozycji „Y”) mechanizmy ochrony głosu. aparaturę, a później nazwaną „zakrytą”. Pozwoliło to na uformowanie górnej części zakresu dźwięku bez przełączania się na falset.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Przeglądając operową sztukę wokalną, nie do pomyślenia jest ignorowanie postaci i twórczego dziedzictwa wielkiego włoskiego kompozytora G. Verdiego. Przekształcił i zreformował operę, wprowadził kontrasty i opozycje fabularne. Był pierwszym z kompozytorów, który brał czynny udział w opracowaniu fabuły, scenografii i produkcji. W jego operach dominowała teza i antyteza, uczucia i kontrasty szalały, łączyły sięprzyziemne i heroiczne. Takie podejście dyktowało nowe wymagania dla wokalistów.

Kompozytor odniósł się krytycznie do koloratury i stwierdził, że tryle, przednutki i gruppetto nie są w stanie stać się podstawą melodii. W kompozycjach prawie nie ma dekoracji ornamentalnych, pozostając jedynie w partiach sopranowych, a później całkowicie znikają z partytur operowych. Męskie partie w kulminacjach zostały przeniesione do górnego rejestru za pomocą opisanego już wcześniej „zakrytego dźwięku”. Wykonawcy partii barytonowych zostali zmuszeni do odbudowania pracy aparatu wokalnego z wysokiej tessitury (wysokiego układu dźwięków względem zakresu śpiewu), podyktowanego odzwierciedleniem stanu emocjonalnego postaci. Doprowadziło to do pojawienia się nowego terminu – „baryton Verdi”. Dzieło G. Verdiego, 26 pięknych oper wystawionych w La Scali, oznaczało drugie narodziny bel canto - sztuki opanowania głosu doprowadzonego do perfekcji.

Światowa trasa

Lekki i pełen wdzięku styl wokalny nie może być utrzymany w granicach jednego stanu. Większość Europy stopniowo ulegała jego urokowi. Piękny śpiew podbił światową scenę teatralną i wpłynął na rozwój europejskiej kultury muzycznej. Powstał kierunek operowy, który otrzymał nazwę „belkanta”. Styl przesunął granice swoich zastosowań i wkroczył w muzykę instrumentalną.

Wirtuozowska melodia F. Chopina (1810-1849) była syntezą polskiej poetyki ludowej i włoskiego operowego bel canto. Rozmarzone i łagodne bohaterki oper J. Masneta (1842-1912) przepełnione są belcanthowym urokiem. Wpływ stylu okazał się tak wielki, że jego wpływ na muzykę stał się naprawdę imponujący, rozciągający się od klasycyzmu po romantyzm.

Łączenie kultur

Wielki kompozytor MI Glinka (1804-1857) stał się twórcą rosyjskiej klasyki. Jego pisarstwo orkiestrowe - wzniośle liryczne i zarazem monumentalne - przepełnione jest melodią, w której widoczne są zarówno ludowe tradycje pieśni, jak i belkante wyrafinowanie włoskich arii. Charakterystyczna dla nich kantylena okazała się podobna do melodyjności przeciągniętych rosyjskich pieśni - szczera i ekspresyjna. Przewaga melodii nad tekstem, śpiewy wewnątrzsylabowe (śpiewne akcentowanie poszczególnych sylab), powtórzenia mowy, które tworzą długość melodii - wszystko to w twórczości M. I. Glinki (i innych kompozytorów rosyjskich) było niesamowicie harmonijnie połączone z tradycje włoskiej opery. Przetrwałe pieśni ludowe, zdaniem krytyków, zasłużyły na tytuł „rosyjskiego bel canto”.

W repertuarze gwiazd

Genialna era włoskiego belcanta zakończyła się w latach dwudziestych. Przewroty militarne i rewolucyjne pierwszego ćwierćwiecza przekreśliły normatywną istotę romantycznego myślenia operowego, zastąpiły ją neoklasycyzm i impresjonizm, modernizm, futuryzm i inne podzielone na kierunki. A jednak słynne głosy operowe nigdy nie przestały zwracać się ku arcydziełom włoskiego klasycznego wokalu. Sztukę „pięknego śpiewu” znakomicie opanował A. V. Nezhdanov i F. I. Chaliapin. Niezrównanym mistrzem tego kierunku śpiewu był L. V. Sobinov, nazywany ambasadorem bel canto w Rosji. Wspaniała Maria Callas (USA) i Joan Sutherland (Australia), uhonorowani przez kolegów tytułem „Głosu Stulecia”, tenor liryczny Luciano Pavarotti (Włochy) i niezrównany bas Nikołaj Gyaurov (Bułgaria) – ich sztuka opierała się na artystyczne i estetyczne podstawy włoskiego bel canto.

Wniosek

Nowe trendy w kulturze muzycznej nie przyćmiły blasku klasycznej włoskiej opery bel cante. Krok po kroku młodzi wykonawcy poszukują informacji zachowanych w notatkach mistrzów z poprzednich lat o prawidłowym oddychaniu, emisji dźwięku, rzeźbie głosu i innych subtelnościach. To nie jest puste zainteresowanie. Wyrafinowana publiczność obudziła potrzebę nie słuchania nowoczesnej interpretacji dzieł klasycznych, ale zanurzenia się w niezawodnej tymczasowej przestrzeni nienagannej sztuki śpiewu. Być może jest to próba rozwikłania zagadki fenomenu bel canto - jak w dobie zakazu głosów kobiecych i upodobania do wysokiego rejestru męskiego mógł narodzić się kierunek śpiewu, który przetrwał wieki i przekształcił się w harmonijny system, który położył podwaliny pod kształcenie profesjonalnych wokalistów przez kilka stuleci.