Malarstwo koreańskie: historia, gatunki, cechy

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Malarstwo koreańskie obejmuje obrazy wykonane w Korei lub przez Koreańczyków za granicą, od obrazów na ścianach grobowców Goguryeo po postmodernistyczną sztukę konceptualną. Dzieła sztuki produkowane na Półwyspie Koreańskim tradycyjnie charakteryzują się prostotą, spontanicznością i naturalizmem.

Gatunki i tematy malarstwa koreańskiego

Buddyjskie gatunki sztuki przedstawiające Buddę lub mnichów buddyjskich oraz sztuka konfucjańska przedstawiająca uczonych lub studentów w cichym miejscu, często w górach, są zgodne z ogólnymi trendami sztuki azjatyckiej.

Buddowie zwykle mają koreańskie cechy i są w spoczynku. Kolor aureoli niekoniecznie musi być złoty, często stosuje się jaśniejsze kolory. Twarze są często realistyczne i pokazują człowieczeństwo i wiek. Twarz z reguły jest dwuwymiarowa, ubrania są trójwymiarowe. Podobnie jak w średniowiecznej i renesansowej sztuce zachodniej, stroje i twarze często tworzyło dwóch lub trzech artystów, którzy specjalizowali się w jednej konkretnej umiejętności. Ikonografia malarstwa koreańskiego jest zgodna z ikonografią buddyjską.

Naukowcy na zdjęciach lubiąz reguły noszą tradycyjne nakrycia głowy i ubrania odpowiednie do zajmowanej pozycji. Zazwyczaj pokazuje się im relaks lub z nauczycielami lub mentorami.

Sceny myśliwskie, znane całemu światu, często występują w sztuce koreańskiej i przypominają mongolskie i perskie sceny myśliwskie.

W okresie Joseon malarze krajobrazu zaczęli przedstawiać rzeczywiste krajobrazy, a nie stylizowane wyimaginowane sceny. Realizm szybko rozprzestrzenił się na inne gatunki, a artyści zaczęli malować sceny z codziennego życia zwykłych ludzi w Korei. Ważnym gatunkiem stały się również portrety, podobnie jak malarstwo amatorskie tworzone przez literatów jako forma samodoskonalenia. Minhwa, kolorowe obrazy dekoracyjne niezidentyfikowanych koreańskich artystów, były malowane obficie.

Okres Trzech Królestw

Każde z trzech królestw, Silla, Baekje i Goguryeo, miało swój własny, niepowtarzalny styl malowania i rozwijało się pod wpływem regionu geograficznego Chin, z którym to królestwo utrzymywało stosunki. Wczesne obrazy Silli są uważane za gorsze od Goguryeo i Baekje, były bardziej kapryśne i wolne, a niektóre z nich można uznać za niemal impresjonistyczne. Obrazy Baekje nie skłaniały się ku realizmowi i były bardziej stylizowane, wykonane w eleganckim, swobodnym stylu. W przeciwieństwie do obrazów z dwóch pozostałych okresów, obrazy Goguryeo były dynamiczne i często przedstawiały tygrysy uciekające przed łucznikami na koniach. Po tym, jak Silla pochłonęła dwa inne królestwa, trzy wyjątkowo różne style rysowaniapołączyły się w jedno, a wpływ na nich miały także stałe kontakty z Chinami.

Dynastia Kore (918-1392)

W okresie Goryeo (918-1392) było całkiem sporo artystów, ponieważ wielu arystokratów malowało dla stymulacji intelektualnej, a powstanie buddyzmu stworzyło potrzebę malowania obrazów z motywami buddyjskimi. Choć wdzięczne i wyrafinowane, buddyjskie obrazy z tego okresu mogą wydawać się krzykliwe według dzisiejszych standardów. W tym okresie artyści zaczęli rysować różne sceny w oparciu o ich rzeczywisty wygląd, który następnie stał się powszechny w okresie Joseon.

Za czasów dynastii Goryeo były wyjątkowo piękne obrazy o tematyce buddyjskiej. Obrazy bodhisattwy Avalokiteśwary (po koreańsku Gwanum Bosal) wyróżniają się elegancją i duchowością.

Dynastia Joseona (1392-1910)

Styl malarski epoki Joseon w sztuce koreańskiej jest dziś najbardziej naśladowany. Niektóre z tych rodzajów malarstwa istniały we wczesnych latach Trzech Królestw i okresie Goryeo, ale to właśnie w okresie Joseon zostały one ustalone. Rozprzestrzenianie się konfucjanizmu w tej epoce pobudziło odnowę sztuki. Zwłaszcza sztuka zdobnicza tego okresu ma bardziej elementarny, lokalny sens, w przeciwieństwie do poprzedniego okresu. Upadek buddyzmu jako dominującej kultury sprzyjał rozwojowi malarstwa koreańskiego w innym kierunku. Obrazy z okresu Joseon w dużej mierze naśladowały chińskie style malarskie, ale niektórzy artyści próbowali rozwinąć wyraźnie koreańskie podejście, używająctechniki niechińskie oraz malowanie lokalnych pejzaży i scen z życia codziennego. Unikalne koreańskie symbole i elementy można było również zobaczyć w stylizowanych przedstawieniach zwierząt i roślin.

Sztuka buddyjska była nadal produkowana i doceniana, choć już nie w oficjalnym kontekście. Prostota sztuki buddyjskiej była powszechna w prywatnych domach i letnich pałacach dynastii. Ewoluowały formy kore, a ikonografia buddyjska, taka jak orchidee, śliwy i chryzantemy, bambus i sęki, została włączona do obrazów rodzajowych jako symbole szczęścia. Nie było żadnych realnych zmian w kolorach ani kształtach, a władcy cesarscy nie próbowali narzucać żadnych standardów artystycznych.

Do końca XVI wieku malarze dworscy podążali za stylem chińskich zawodowych malarzy dworskich. Znani artyści tego okresu to Kin, Zhu Ken i Yi Sang-cha. W tym samym czasie artyści amatorzy malowali tradycyjne popularne tematy, takie jak ptaki, owady, kwiaty, zwierzęta i buddyjscy „czterech szlachetnych panów”. Główne gatunki tego okresu to pejzaże, minhwa, portrety.

Czterej Szlachetni Dżentelmeni

Inna nazwa tego stylu to „cztery szlachetne kwiaty”: śliwka, orchidea, chryzantema i bambus. Pierwotnie były to konfucjańskie symbole czterech cech uczonego człowieka: kwiaty śliwy symbolizowały odwagę, bambus symbolizował uczciwość, orchidee były symbolem wyrafinowania, chryzantemy były produktywnym i owocnym życiem.

Portrety

Portrety zostały napisanew całej historii Korei, ale większość z nich pojawiła się w okresie Joseon. Głównymi bohaterami portretów byli królowie, zacni ludzie, starsi urzędnicy, pisarze lub arystokraci, kobiety i mnisi buddyjscy.

Minghwa

Pod koniec okresu Joseon pojawił się ten typ malarstwa ludowego, tworzony przez anonimowych artystów, którzy wiernie podążali za tradycyjnymi formami. Obrazy tych obrazów, które miały przynieść szczęście domownikom, zawierały: tygrysa (bóg gór), symbole długowieczności (dźwigi, jelenie, grzyby, skały, woda, chmury, słońce, księżyc, sosny i żółwie).); sparowane ptaki, symbolizujące miłość małżeńską; owady i kwiaty reprezentujące harmonię między yin i yang; oraz regały reprezentujące naukę i mądrość. Przedmioty zostały przedstawione w całkowicie płaskim, symbolicznym, a nawet abstrakcyjnym stylu iw żywych kolorach.

Malarstwo krajobrazowe i rodzajowe

Styl środkowych dynastii przesunął się w kierunku wysublimowanego realizmu. Zaczął się rozwijać narodowy styl malarstwa pejzażowego zwany „prawdziwym widokiem” lub „realistyczną szkołą pejzażową”, przechodząc od tradycyjnego chińskiego stylu wyidealizowanych pejzaży do obrazów przedstawiających konkretne miejsca z dokładnym odwzorowaniem.

Wraz z rozwojem realistycznej scenerii pojawiła się praktyka rysowania realistycznych scen zwykłych ludzi wykonujących codzienne czynności. Malarstwo rodzajowe jest najbardziej unikalnym koreańskim stylem malowania i zapewnia historyczną perspektywę codziennego życia ludzi okresu Joseon.

Złoty Wiek

Późny Joseon jest uważany za złoty wiek koreańskiego malarstwa. Zbiegło się to z utratą kontaktu z dynastią Ming. Koreańscy artyści zostali zmuszeni do budowania nowych, narodowych modeli sztuki opartych na introspekcji i poszukiwaniu konkretnych koreańskich tematów. W tym czasie wpływy chińskie przestały dominować, a sztuka koreańska stawała się coraz bardziej idiosynkratyczna.

Japońska okupacja i współczesna Korea

Pod koniec okresu Joseon wpływy zachodnie i japońskie stawały się coraz bardziej widoczne. W XIX wieku po raz pierwszy w portretach zastosowano cieniowanie. Wśród profesjonalnych artystów dominowały style chińskiego malarstwa akademickiego.

Podczas japońskiej okupacji Korei, od połowy lat 80. XIX wieku do 1945 roku, koreańscy artyści przeżyli trudny czas, kiedy Japonia próbowała narzucić własną kulturę każdemu aspektowi koreańskiego życia. Koreańskie szkoły artystyczne zostały zamknięte, koreańskie obrazy zostały zniszczone, a artyści musieli malować japońskie obrazy w japońskim stylu. Artyści, którzy pozostali wierni koreańskim tradycjom, musieli się ukrywać, a ci, którzy studiowali w Japonii i malowali w japońskim stylu, zostali oskarżeni o kompromisy.

W okresie po II wojnie światowej artyści koreańscy przyswoili sobie niektóre zachodnie podejścia do malarstwa. Niektórzy europejscy artyści impastowi jako pierwsi zainteresowali się Koreańczykami. Artyści tacy jak Gauguin, Monticelli, Van Gogh, Cezanne, Pissarro stali się bardzo wpływowi, ponieważ byli najbardziej badani w sztuceszkoły, a książki o nich zostały szybko przetłumaczone na koreański i łatwo dostępne. Dzięki nim we współczesnym malarstwie koreańskim pojawiły się palety tonalne żółtej ochry, żółci kadmowej, żółci neapolitańskiej i sieny.

Teoria koloru ma pierwszeństwo przed perspektywą formalną i nadal nie ma nakładania się między malarstwem a grafiką pop, ponieważ artyści są głównie pod wpływem sztuki ceramicznej.