Willem de Kooning i jego malarstwo

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Willem de Kooning urodził się 24.04.1904 w Rotterdamie (Holandia). Kierowany bystrym, wnikliwym umysłem, silną etyką pracy i zawziętym zwątpieniem – w połączeniu z determinacją do osiągnięcia – charyzmatyczny de Kooning stał się jednym z najbardziej wpływowych amerykańskich artystów XX wieku.

Nauka i przeprowadzka do USA

Okazując zainteresowanie sztuką od najmłodszych lat, Willem był już uczniem w wiodącej firmie projektowej w wieku 12 lat i przy jej wsparciu wstąpił do szkoły wieczorowej w prestiżowej Akademii Sztuk Pięknych i Technologii w Rotterdamie, który został przemianowany na jego cześć w 1998 roku, nazwany Akademią Willema de Kooninga.

W 1926, z pomocą swojego przyjaciela Leo Kogana, popłynął statkiem do Stanów Zjednoczonych i osiadł w Nowym Jorku. W tym momencie nie aspirował do życia artysty. Raczej, jak wielu młodych Europejczyków, miał własną wersję amerykańskiego snu (duże pieniądze, dziewczyny, kowboje itp.). Jednak po krótkim pobycie jako malarz pokojowy został profesjonalnym malarzem, zanurzając się w sztuce i świecie sztuki Nowego Jorku, zaprzyjaźniając się z takimi znakomitościami, jak Stuart Davis i Arshile Gorky.

Szkoła Nowojorska

W 1936, podczas Wielkiego Kryzysu, de Kooning pracował w Departamencie Malowideł Amerykańskiej Administracji Robót Publicznych. Zdobyte doświadczenie przekonało go do całkowitego poświęcenia się malarstwu.

Do końca lat pięćdziesiątych. de Kooning i jego rówieśnicy w Nowym Jorku, m.in. Franz Kline, Jackson Pollock, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Ad Reinhardt, Barnett Newman i Mark Rothko, zasłynęli z odrzucenia przyjętych norm stylistycznych, takich jak regionalizm, surrealizm i kubizm, rozpuszczając związek między pierwszym planem a tłem oraz używanie farby do tworzenia emocjonalnych, abstrakcyjnych gestów. Ten ruch został nazwany na wiele sposobów - i malowaniem akcji, abstrakcyjnym ekspresjonizmem i po prostu szkołą nowojorską.

Wcześniej Paryż był uważany za centrum awangardy i tej grupie ambitnych amerykańskich artystów trudno było konkurować z nowatorstwem twórczości Picassa. Ale de Kooning powiedział wprost: Picasso to człowiek, którego trzeba prześcignąć. Willem i jego zespół w końcu przyciągnęli wzrok - są odpowiedzialni za historyczną zmianę uwagi na Nowy Jork w latach po II wojnie światowej.

Wśród swoich rówieśników de Kooning stał się znany jako „malarz artystów”, a następnie zyskał uznanie w 1948 r. swoją pierwszą indywidualną wystawą w Galerii Charlesa Egana w wieku 44 lat. Były obrazy, mocno przetworzone w oleju i emalii, w tym jego słynne czarno-białe płótna. Ta wystawa była ważna dla reputacji Kooninga.

Niedługo potem, w 1951W tym samym roku dokonał jednej ze swoich pierwszych dużych sprzedaży, kiedy otrzymał Medal Logana i nagrodę Art Institute of Chicago za wspaniałą abstrakcję The Excavation (1950). To chyba jeden z najważniejszych obrazów XX wieku. W tym samym czasie de Kooning uzyskał poparcie dwóch czołowych krytyków nowojorskich – Clementa Greenberga, a następnie Harolda Rosenberga.

Wyjazd z abstrakcji

Sukces Willema de Kooninga nie osłabił jego potrzeby badań i eksperymentów. W 1953 zaszokował świat sztuki serią agresywnie rysowanych figur figuralnych, powszechnie znanych jako obrazy „Kobiet”. Te obrazy były bardziej typami lub ikonami niż portretami ludzi.

Jego powrót do liczb był postrzegany przez niektórych jako zdrada abstrakcyjnych zasad ekspresjonizmu. Stracił poparcie Greenberga, ale Rosenberg pozostał przekonany o jego znaczeniu. Museum of Modern Art w Nowym Jorku widziało zmianę stylu Kooninga jako postęp w jego pracy, aw 1953 nabyło obraz Kobieta I (1950-1952). To, co niektórym wydawało się stylistycznie reakcyjne, dla innych było wyraźnie awangardowe.

Rosnąć do sławy w latach 1948-1953 był tylko pierwszym aktem w niezwykłej karierze artystycznej. Mimo że wielu jemu współczesnych wypracowało własny dojrzały styl autorski, dociekliwy duch de Kooninga nie pozwalał na takie ograniczenie. Walcząc z przestrzeganiem jakichkolwiek dogmatów, kontynuował odkrywanie nowych stylów i metod, często rzucając wyzwanie swoim własnym. „Musimy się zmienić, abypozostań taki sam”, to jedna z jego często cytowanych uwag.

W obrazie Marilyn Monroe z 1954 roku Willem de Kooning zredukował ikonę popu do jej najbardziej rozpoznawalnych cech – czarnej muchy i szerokich czerwonych ust.

Od rysunku do grawerowania

De Kooning czuł się równie komfortowo, używając zarówno papieru, jak i płótna. Ale pierwszy zapewnił natychmiastowość wyniku, który go przyciągnął. Od września 1959 do stycznia 1960 artysta przebywał we Włoszech, w tym czasie wykonał wiele eksperymentalnych czarno-białych prac na papierze, zwanych „rysunkami rzymskimi”. Kiedy wrócił, udał się na Zachodnie Wybrzeże. W San Francisco de Kooning pracował z pędzlem i tuszem, ale także, co ciekawsze, eksperymentował z litografią. Dwa powstałe odciski (znane jako Fale I i Fale II) są najlepszymi przykładami abstrakcyjnych odbitek ekspresjonistycznych.

Kierunki walki

Pod koniec lat 50. Willem de Kooning przeniósł się z kobiet do kobiecych krajobrazów, a następnie do czegoś, co wydawało się być powrotem do „czystej” abstrakcji. Prace te nazwano odpowiednio pejzażami „miejskimi”, „alejowymi” i „pasterskimi”. Seria pejzaży Willema de Kooninga - Police Gazette, Gotham News, Parc Rosenberg, Door to the River, Suburb in Havana itd. Nigdy jednak całkowicie nie porzucił świata realnych obiektów dla czystej abstrakcji. W 1960 roku powiedział, że „dziś, jeśli się nad tym zastanowić, absurdem jest kreowanie wizerunku osoby za pomocą farb, ponieważ mamy ten problem - zrobić to lub nie zrobić. Ale nagle jeszcze więcejbezczynność staje się absurdalna. Dlatego boję się, że będę musiał podążać za swoimi pragnieniami”. Postać ludzka potwierdziła się, teraz w swojej bardziej cielesnej formie.

Przeprowadzka na Long Island

W 1963 roku de Kooning przeprowadził się z Nowego Jorku do Springs w East Hampton na Long Island. Manipulując przestrzenią jak rzeźbiarz, zaprojektował i zbudował przestronne, wypełnione światłem studio i dom w cichej, zalesionej okolicy, w której pracował w latach 60., zanim ostatecznie przeprowadził się tam w 1971 roku.

Światło i krajobraz East Hampton przypominały mu jego rodzinną Holandię, a zmieniające się środowisko znalazło odzwierciedlenie w jego pracy. Kolory zmiękły, postacie stały się bardziej konwencjonalne w ciele, zamiast wściekłych i ząbkowanych kobiet pojawiło się więcej tańczących i ponętnych dziewczyn. Kontynuował eksperymenty z farbami, dodając wodę i olej szafranowy. To sprawiało, że były śliskie i mokre, co dla wielu było niezwykle trudne.

Eksperymenty z lat 70

Podczas krótkiej podróży do Włoch w 1969 roku, po spotkaniu z przyjacielem Herzlem, Emmanuel de Kooning stworzył 13 małych glinianych figurek, które następnie odlano w brązie.

We wczesnych latach 70. zgłębiał zarówno rzeźbę, jak i litografię, kontynuując jednocześnie malowanie i ołówek. W tym okresie w jego obrazach pojawia się więcej elementów graficznych. Niektóre zostały wykonane po prostu przez nałożenie farby bez użycia bardziej malarskiego podejścia. Być może wpływ na to miała japońska sztuka i design, z którymi zapoznał się podczas pobytu wJaponia na początku lat 70. Jego litografie wydają się odzwierciedlać wpływy japońskiego atramentu i kaligrafii, przekazując wrażenie otwartej przestrzeni, co z kolei znajduje odzwierciedlenie w niektórych obrazach de Kooninga.

Dekada lat 70. była naznaczona najpierw eksperymentami z materiałami, a następnie przełomami. Poprzez lub wbrew poszukiwaniom twórczym, koniec lat 70. był świadkiem płodnego okresu, w którym artysta tworzył zmysłowe, mocno kolorowe prace, które należą do jego najbardziej zmysłowych abstrakcji.

Spokojne lata 80

Wizualne zapasy są wyznacznikiem większości kariery Willema de Kooninga. W ostatniej dekadzie miał szczęście rozwiać niektóre z nich. Odchodząc od metodologii szlifowania, malowania, nakładania warstw, skrobania, obracania płótna i wielokrotnego wcinania, aby zobaczyć każdą zmianę, zredukowane, a czasem spokojne obrazy z lat 80. można postrzegać jako ostateczną syntezę krzywizny i abstrakcji, malarstwa i rysunku oraz równowaga i brak równowagi.

Z roku na rok w latach 80. artysta eksplorował nowe formy przestrzeni malarskiej, czego dowodem są prace Willema de Kooninga z eterycznymi przejściami przypominającymi wstęgę lub konsolami, przez które mogą unosić się lub gwałtownie linie proste. zatrzymaj się i zbalansuj na szerokich, otwartych przestrzeniach, miejscach lub zatłoczonych, odważnych, lirycznych przestrzeniach. Jaskrawo zabarwione, przeważnie liniowe elementy są zestawione z delikatnie stonowanymi białymi obszarami. Z jego frankMając tendencję do przyjmowania przyziemności, de Kooning mógł swobodnie przedstawiać nieintelektualne, przyziemne lub humorystyczne postacie, które czasami są namacalne w jego abstrakcyjnych obrazach. To ponownie ilustruje jego nacisk na wolność od doktrynerskich poglądów na temat tego, czym powinna być sztuka.

Odzwierciedla to spontaniczność i prostotę swobodnych tytułów, które nadał kilku pracom w latach 80.: „Klucz i parada”, „Miau kota” oraz „Jeleń i abażur”. De Kooning osiągnął bardziej otwarty i mniej niespokojny punkt w swojej artystycznej karierze.

Ostatnie lata

De Kooning namalował swój ostatni obraz w 1991 roku. Zmarł w 1997 roku w wieku 92 lat po niezwykle długiej, bogatej i pełnej sukcesów karierze. De Kooning nigdy nie przestał odkrywać i poszerzać możliwości swojego rzemiosła, pozostawiając trwałe wrażenie na amerykańskich i międzynarodowych artystach i miłośnikach sztuki.

Globalne uznanie

Za życia artysta Willem de Kooning otrzymał wiele wyróżnień, w tym Prezydencki Medal Wolności w 1964 roku. Jego prace były prezentowane na tysiącach wystaw i znajdują się w stałych kolekcjach wielu najlepszych instytucji artystycznych, w Stedelijk Museum w Amsterdamie, Tate Modern w Londynie, National Gallery of Australia w Canberze, New York Metropolitan Museum of Art i Museum of Modern Art, Art Institute of Chicago, Hirshhorn Museum i National Gallery of Sztuka w Waszyngtonie.

Obraz Willema de Kooninga „Wymiana” (1955) w Sotheby's w 1989 roku zostałsprzedany za 20,6 miliona dolarów. W tym samym roku otrzymał Cesarską Nagrodę Japońskiego Stowarzyszenia Artystycznego. A w 2006 roku obraz „Kobieta III” został zakupiony za 137,5 miliona dolarów, stając się jednym z najdroższych obrazów na świecie.