Malowanie monochromatyczne: cechy, przykłady

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Artyści od dawna zauważają, że kolor może być używany do wywoływania u ludzi silnych reakcji emocjonalnych. Artyści tacy jak Van Gogh zainspirowali się tym, aby stworzyć arcydzieła wypełnione wieloma kolorami. Jednak inni artyści myślą inaczej. Starają się stworzyć arcydzieło przy użyciu tylko jednego koloru.

Definicja

Malarstwo monochromatyczne to dzieło sztuki namalowane tylko jednym kolorem. W rzeczywistości słowo „monochromatyczny” dosłownie oznacza „jeden kolor”. Jest to inne podejście do sztuki, jednak jest stosowane znacznie szerzej niż większość ludzi myśli.

Technika

Jak powstaje obraz, jeśli używany jest tylko jeden kolor? Kluczem do tego jest to, że na przykład niebieski i zielony to różne kolory, ale granatowy i cyjan nie różnią się; to tylko odcienie tego samego koloru. Do koloru bazowego można dodać biel, czyniąc ją jaśniejszą. Teoretycznie można to kontynuować aż do uzyskania prawie czystej bieli. Jednocześnie kolor można przyciemnić dodając czerń. Tak więc artyścipotrafi namalować cały obraz, składający się z linii, elementów i kształtów w różnych odcieniach, które technicznie są obrazem w jednym kolorze.

Dlaczego warto stosować technikę malowania monochromatycznego

Artyści wiedzą, jak głęboko kolory odbijają się w ludzkich emocjach. Obrazy monochromatyczne stały się potężnymi sposobami prowokowania głębokich osobistych doświadczeń, dodatkowo zachęcając artystów do odkrywania emocji i duchowości poprzez sztukę monochromatyczną.

Artyści redukują paletę kolorów z wielu powodów, ale głównie jest to sposób na skupienie uwagi widza na określonym temacie, koncepcji lub technice. Bez całej złożoności pracy z kolorem, możliwe staje się eksperymentowanie z kształtem, fakturą, znaczeniem symbolicznym.

Monochromatyczne malowanie w czerni, bieli i szarości jest również nazywane grisaille.

Kierunek rozwoju

Najwcześniejsze zachowane dzieła sztuki zachodniej wykonane w grisaille powstały w średniowieczu. Zostały zaprojektowane w celu wyeliminowania wszelkich rozproszeń i skupienia umysłu. Ponieważ kolor przenika codzienne życie, czerń i biel mogą sygnalizować przejście do innego świata lub mieć kontekst duchowy.

Dla niektórych kolor był zakazany i zakazany przez zakony praktykujące formę ascezy estetycznej. Na przykład witraż w technice grisaille został stworzony przez cystersów w XII wieku jako alternatywa dla jasnych okien kościelnych, z jego przezroczystościąszarawe panele, z obrazami czasami malowanymi na czarno i żółto. Lekka i elegancka w wyglądzie szklana kratka okienna zyskała popularność poza zamówieniem i ostatecznie stała się wzorem w wielu francuskich kościołach.

Badania światła i cienia

Od XV wieku artyści malowali w czerni i bieli, aby sprostać wyzwaniom stawianym przez przedstawiane przez nich tematy i kompozycje. Eliminacja koloru pozwala artystom skupić się na tym, jak światło i cień padają na powierzchnię postaci, obiektu lub sceny przed przejściem na pełnokolorowe płótno.

Obrazy Grisail

Coraz częściej obrazy w grisaille zaczęły pojawiać się jako niezależne dzieła sztuki.

Święta Barbara Jana van Eycka (1437, Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych w Antwerpii) jest najwcześniejszym znanym przykładem monochromatycznej pracy na desce pomalowanej indyjskim tuszem i olejem.

Od wieków artyści stawiali sobie za cel naśladowanie wyglądu rzeźby kamiennej w malarstwie. Europa północna upodobała sobie iluzoryczne elementy dekoracyjne, takie jak dekoracyjne malowidła ścienne i rzeźbiony tynk. Największy sukces w tej praktyce odniósł artysta Jacob de Wit. Jego pracę można łatwo pomylić z trójwymiarową płaskorzeźbą na ścianie.

Abstrakcja

Artyści abstrakcyjni często sięgają po malarstwo monochromatyczne. Kiedy artyści mają dostęp do wszystkiego, co możliweodcienie, brak koloru może być tym bardziej szokujący lub prowokujący do myślenia. W 1915 roku kijowski artysta Kazimierz Malewicz namalował pierwszą wersję swojego rewolucyjnego Czarnego kwadratu i ogłosił, że jest to początek nowego rodzaju sztuki nieprzedstawiającej. Praca Josefa Albersa, Ellswortha Kelly'ego, Franka Stelli i Cy Tumbleya ilustruje użycie minimalnego koloru dla maksymalnego efektu.

Artyści zaintrygowani teorią koloru i psychologicznymi efektami koloru (lub jego braku) manipulują światłem, przestrzenią i odcieniem, aby wywołać określoną reakcję widza.

Malowanie tuszem

Ten rodzaj sztuki pozwala artyście tworzyć wyraźne obszary kontrastu. W większości przypadków malowanie tuszem polega na nałożeniu czarnego tuszu na białą powierzchnię, co powoduje ten kontrast. Aby stworzyć niezbędne przejścia podczas cieniowania, stosuje się metodę nakładania kilku warstw. Takie metody obejmują na przykład różne rodzaje kreskowania.

Monochromatyczne malarstwo Japonii

Ten rodzaj sztuki pochodzi z Chin. W tym kulturowym, filozoficznym i artystycznym kontekście narodziło się malarstwo monochromatyczne.

Ze wszystkich sztuk w Chinach malarstwo jest najważniejsze, odsłania tajemnicę wszechświata. Opiera się na fundamentalnej filozofii taoizmu, która przedstawia jasne koncepcje kosmologii, przeznaczenia człowieka i relacji między człowiekiem a wszechświatem.

Malarstwo jest zastosowaniem tej filozofii, ponieważ penetruje tajemnice wszechświata.

W tradycyjnymMalarstwo chińskie ma cztery główne tematy, które są zasadniczo takie same w malarstwie japońskim: pejzaże, portrety, ptaki i zwierzęta, kwiaty i drzewa.

W Japonii, w erze Kamakura (1192-1333), władzę przejęli wojownicy (samuraje). W tej epoce, dzięki pielgrzymce mnichów do Chin i ich tam handlowi, do Japonii trafiła duża liczba obrazów. Fakt ten miał ogromny wpływ na artystów, którzy pracowali w świątyniach na zlecenie mecenasów i kolekcjonerów sztuki (szogunów).

Import nie tylko zainspirował zmianę tematyki, ale także promował innowacyjne wykorzystanie koloru: yamato-e (malarstwo z długimi zwojami z IX-X wieku) zostało zastąpione chińskimi technikami monochromatycznymi.

Niesamowite dzieła wielkich buddyjskich mistrzów i malarzy z dynastii Tang i Song, obrazy napisane czarnym chińskim atramentem, w Japonii (koniec XIII wieku) nazywane były suibok-ga lub sumi-e. Ten styl malowania był pierwotnie zmonopolizowany przez buddystów zen, a następnie zaadoptowany przez mnichów i artystów nasyconych tym duchem, i przez długi czas malowanie czarnym tuszem i malowanie zen (Zenga) były praktycznie nierozłączne.

Największym mistrzem sumi tego okresu jest Sesshu Toyo (1420-1506), mnich z Kioto, który studiował malarstwo tuszem w Chinach. Sesshu był jedynym artystą, który przyswoił sobie filozoficzne podstawy tego rodzaju malarstwa i ucieleśnił je z oryginalnym duchem w japońskiej tematyce i języku artystycznym, a także w odniesieniu do przestrzennych przedstawień języka chińskiego.artyści tamtych czasów.