2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46
Jean Auguste Dominique Ingres (ur. 29 sierpnia 1780 w Montauban we Francji; zm. 14 stycznia 1867 w Paryżu) był artystą i ikoną konserwatyzmu kulturowego w XIX-wiecznej Francji. Ingres stał się głównym zwolennikiem francuskiego malarstwa neoklasycznego po śmierci swojego mentora Jacques-Louis Davida. Jego wysokiej jakości, drobiazgowo wykonane prace stanowiły stylistyczny kontrast z emocjonalnością i kolorem współczesnej szkoły romantycznej. Jako monumentalny malarz historyczny, Ingres starał się utrwalić klasyczną tradycję Rafaela i Nicolasa Poussinów. Jednak przestrzenne i anatomiczne zniekształcenia charakteryzujące jego portrety i akty zapowiadają wiele z najśmielszych formalnych eksperymentów modernizmu XX wieku.
Edyp i Sfinks, 1808-1827
Zdeterminowany, by udowodnić swój talent, młody Jean Auguste Dominique Ingres poświęcił się historiimalarstwo, najbardziej szanowany gatunek w Akademii. Zgodnie ze swoim neoklasycznym treningiem Ingres wybrał swój temat z mitologii greckiej, jednak odchodzi od stoickich bohaterów Dawida. Tutaj możesz zobaczyć, jak tragiczny bohater Edyp zmierzył się z zagadką Sfinksa.
Straszne zagrożenie przedstawia złowieszczy stos ludzkich szczątków, zaostrzony przez towarzysza Edypa, który ucieka w przerażeniu w tle. Chociaż obraz skupia się na klasycznym męskim aktu, narracja jest bardziej złożona niż moralny wszechświat Davida i stanowi krok w kierunku złożonej psychologii romantyzmu. Prawidłowa odpowiedź Edypa pozwoli mu uniknąć śmierci i kontynuować podróż do Teb, ale jego los jest przesądzony.
Los obrazu
Kiedy Ingres wysłał obraz do Paryża, otrzymał letnią recenzję; krytycy twierdzili, że kontury nie były wystarczająco ostre, oświetlenie było słabe, a związek między postaciami nie był wystarczająco wyraźny.
Należy zauważyć, że Jean-Auguste Dominique Ingres nie stroni od ciemnej strony historii: dramatyczny światłocień tworzony przez wschodzące światło nadaje obrazowi złowieszczy wydźwięk. To subtelnie zapowiada tragiczny los Edypa, a mianowicie małżeństwo z matką Jokastą i ostateczną śmierć. Zygmunt Freud, który następnie spopularyzował grecki mit, formułując kompleks Edypa, kazał powiesić wydrukowaną kopię tego obrazu nad sofą w swoim gabinecie.
La Grande Odalisque, 1814
W swoim obrazie „Wielka Odaliska” Ingres demonstruje zarówno swoje akademickie wykształcenie, jak i zamiłowanie doeksperymenty. Rzeczywiście, wizerunek wyidealizowanej nagiej postaci jest bliski klasycznym wizerunkom Afrodyty w starożytnej Grecji. Pochylona kobieta jest popularnym motywem od czasów renesansu. Wenus z Urbino Tycjana była z pewnością ważnym przykładem dla Ingresa.
Cechy obrazu
Tutaj artystka kontynuuje tę tradycję, kreśląc serię wijących się linii, które podkreślają miękkie krzywizny jej ciała, a także umieszczając kobietę w bogatej przestrzeni ozdobionej błyszczącymi tkaninami i drobiazgowo dopracowaną biżuterią. Choć przedstawiał ciało o rzeźbionej powierzchni i czystych liniach kojarzących się z neoklasycyzmem, pewne zniekształcenia są wyraźnie widoczne na tym obrazie.
Kobieta potrzebowałaby dwóch lub trzech dodatkowych kręgów, aby uzyskać tak dramatyczną, wykrzywioną pozę, tak jak nogi postaci wydają się nieproporcjonalne, lewy jest wydłużony i ma inny rozmiar w biodrze. Rezultat jest paradoksalny: jest uderzająco piękna i niesamowicie dziwna.
Umiejętność łączenia przez Ingres elementów neoklasycznej linearności i romantycznej wrażliwości, opierająca się łatwej kategoryzacji, posłużyła jako wzór dla przyszłych artystów awangardowych.
Antyczne motywy
Obraz Ingresa „Apoteoza Homera” został namalowany w 1827 roku. Artysta otrzymał zlecenie udekorowania sufitu w Luwrze na czas otwarcia Muzeum, które miało zademonstrować wyższość kulturową Francji i tym samym wzmocnić legitymację monarchy. Krytyczne dla tego było stworzenie kontinuum,która rozciągała się od świata antycznego po współczesną Francję, a tym samym obraz ten stał się projektem legitymizacji politycznej i kulturowej.
Artysta honoruje Homera jako twórcę cywilizacji zachodniej. Zasiada w centrum kompozycji, zwieńczonej wieńcem laurowym bogini zwycięstwa Nike i otoczonej personifikacjami jego dwóch arcydzieł: Iliady (po lewej, leżący obok miecz) i Odysei (na po prawej, wiosło oparte o jego nogę). Po bokach Homera znajduje się ponad 40 postaci z kanonu zachodniego, w tym grecki rzeźbiarz Fidiasz (trzymający młot), wielcy filozofowie Sokrates i Platon (stojący do siebie w dialogu na lewo od Fidiasza), Aleksander Wielki (z dala w złotej zbroi) i inne.
Ingres zawierał również postacie z ostatnich stuleci. Michał Anioł siedzi pod Aleksandrem Wielkim z deską kreślarską w dłoni. William Shakespeare stoi obok malarza Nicholasa Poussina w lewym dolnym rogu, obok Mozarta i poety Dantego. Bohater i inspiracja Ingresa, Raphael, ubrany jest w ciemną tunikę, podał ręce greckiemu malarzowi Apellesowi, a między nimi w większości ukryta postać o młodzieńczej twarzy, podobno portret najmłodszego Jeana Auguste'a. Niezależnie od tego, czy jest to autoportret, czy nie, artysta jasno określił swoje kulturowe pochodzenie i potwierdził wyższość wartości klasycznych.
Wyimaginowany Wschód
Obraz Jeana Auguste Dominique Ingres „Łaźnia turecka” jest jedną z jego najbardziej złożonych kompozycji. Ciała wydają się wykraczać pozaokrągłe płótno, szczelność przestrzennej głębi zwielokrotnia i tak już dużą liczbę brył. Ingres wykazuje ciągłe zainteresowanie tematami kolonialnymi. Otwarta zmysłowość postaci jest uderzająca, gdy ich kończyny przeplatają się, ukazując przystępny, egzotyczny erotyzm.
Tu artysta ponownie łączy elementy neoklasycyzmu i romantyzmu. Jej faliste linie graniczą z płynnością arabeski, choć podkreśla rzeźbiarską powierzchnię i precyzyjne przejścia. Tutaj również cieszy się artystyczną swobodą w przedstawianiu anatomii człowieka - kończyny i torsy postaci są zniekształcone w celu uzyskania bardziej harmonijnej estetyki, a jednak ukazują szczególną manierę akademika.
Nigdy nie podróżował na Bliski Wschód ani do Afryki, Ingres inspirował się listami XVIII-wiecznej arystokratki Lady Mary Montagu, kopiując jej notatki z Imperium Osmańskiego do własnych notatek. W jednym z listów Montague opisał zatłoczoną łaźnię w Adrianopolu: „Nagie kobiety w różnych pozach… jedne rozmawiają, inne piją kawę lub próbują sorbetu, a wiele przeciąga się beztrosko”. Na tym obrazie Ingres przełożył poczucie leniwego relaksu w ciałach swoich postaci, ozdobionych turbanami i bogato haftowanymi tkaninami kojarzącymi się z wyimaginowanym Orientem.
Z rozkazu księcia Napoleona w 1852 roku obraz był początkowo pokazywany w Pałacu Palais, a następnie został zwrócony Ingresowi, który aktywnie go modyfikował do 1863 roku. Ostatecznie zdecydował się na radykalną zmianę tradycyjnego prostokątnego formatu malarstwa tondo, zwiększając poczucie kompresji postaci. Dopiero w 1905 roku pokazano zdjęciepublicznie. Już wtedy jego debiut na Salon d'Automne był uważany za rewolucyjny. Ingres został entuzjastycznie przyjęty przez rodzącą się awangardę.
"Ślub Ludwika XIII", 1824
Kiedy Ingres opuścił Paryż w 1806 roku, przysiągł, że nie wróci, dopóki nie zostanie uznany za poważnego i znaczącego mistrza. Ta praca z 1824 r. przyczyniła się do jego zwycięskiego powrotu. Monumentalny obraz, wysoki na ponad cztery metry, przedstawia złożony temat, który łączy obrazy historyczne i religijne.
Scena na obrazie Ingresa poświęcona jest ważnemu momentowi panowania króla Ludwika XIII, kiedy to poświęcił Francję Matce Boskiej. Akt ten obchodzony był jako coroczne święto aż do rewolucji 1789 r., następnie, po powrocie Burbonów na tron francuski, został przywrócony. Był to więc epizod historyczny o bardzo konkretnym współczesnym znaczeniu. Obraz demonstruje zdolność Ingresa do łączenia historycznego i współczesnego tłumaczenia sceny klasycznej w uproszczony słownik wizualny XIX wieku.
Narracja wymagała od Ingresa starannego zrównoważenia kompozycji między ziemskim królestwem Ludwika XIII a niebiańskim królestwem powyżej. Jean Auguste stworzył dwie różne atmosfery, aby odróżnić przestrzenie, kąpiąc Dziewicę Maryję w ciepłym, wyidealizowanym blasku, a dokładniej podkreślając materialność i faktury Ludwika XIII.
Rok po tym sukcesie Ingres został odznaczony Legią Honorową i wybrany na członka Akademii.
Najpiękniejsza postać we francuskim malarstwie
Pracuj nadFontanna Jean Auguste Dominique Ingres rozpoczęła się we Florencji około 1820 roku i została ukończona dopiero w 1856 roku w Paryżu. Kiedy ukończył obraz, miał już siedemdziesiąt sześć lat.
Na zdjęciu widać nagą dziewczynę stojącą przy skałach i trzymającą dzban, z którego wypływa woda. W ten sposób reprezentuje źródło wody, czyli źródło, które w literaturze klasycznej jest święte dla muz i poetyckiej inspiracji. Stoi między dwoma kwiatami i jest otoczona bluszczem, rośliną Dionizosa, boga nieporządku, odrodzenia i ekstazy. Woda, którą wylewa, oddziela ją od widza, ponieważ rzeki wyznaczają granice, których przekroczenie jest symbolicznie ważne.
Niektórzy historycy sztuki uważają, że w tym obrazie Ingresa istnieje „symboliczna jedność kobiety i natury”, gdzie kwitnące rośliny i woda stanowią tło, które artysta wypełnia „wtórnymi atrybutami” kobiety.
Zalecana:
Najlepsze bajki: najlepsze najlepsze
Wszyscy oglądaliśmy kreskówki w dzieciństwie, wielu z nas nadal ogląda je z entuzjazmem. Obecnie istnieje ogromna liczba kreskówek, z których wybór najlepszych jest czasami bardzo trudny. Po przeanalizowaniu niektórych ocen i danych recenzentów, możemy zidentyfikować kryteria takie jak popularność, oceny krytyków i wpływy ze sprzedaży biletów. Najlepsze bajki przedstawia poniższy artykuł
Którzy artyści malowali obrazy historyczne? Obrazy historyczne i codzienne w twórczości rosyjskich artystów XIX wieku
Obrazy historyczne nie znają granic w całej różnorodności swojego gatunku. Głównym zadaniem artysty jest przekazanie koneserom sztuki wiary w realizm nawet mitycznych opowieści
Rembrandt - obrazy. Obrazy Rembrandta z tytułami. Malarz Rembrandt
Rembrandt Van Rijn, którego obrazy można oglądać w wielu muzeach na całym świecie, jest dziś znany każdemu człowiekowi na Ziemi. Strach i radość, zaskoczenie i oburzenie odbijają się w jego pracach tak naturalnie, że nie sposób im nie uwierzyć. Szalona popularność, tragiczny los i smutny schyłek życia wciąż pozostają okazją do plotek i filozoficznych rozważań
Obrazy liryczne. Obrazy liryczne w muzyce
Teksty w sztuce odzwierciedlają uczucia i myśli danej osoby. A główny bohater staje się w nim ucieleśnieniem tych emocji i uczuć
Galeria Tretiakowska: obrazy z tytułami. Najsłynniejsze obrazy Galerii Trietiakowskiej
W tym artykule zostanie Ci przedstawiona Galeria Tretiakowska. Obrazy z imionami „Bohaterowie”, „Poranek w sosnowym lesie”, „Przybyły gawrony” znane są nie tylko w Rosji, ale także w wielu innych państwach. Dzisiaj zrobimy krótką wycieczkę po muzeum i przyjrzymy się siedmiu najsłynniejszym obrazom tej wystawy
