Dzieła Siergieja Siergiejewicza Prokofiewa: opery, balety, koncerty instrumentalne

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Wybitny krajowy kompozytor Siergiej Prokofiew jest znany na całym świecie ze swoich innowacyjnych dzieł. Bez niego trudno wyobrazić sobie muzykę XX wieku, w której pozostawił znaczący ślad: 11 symfonii, 7 oper, 7 baletów, wiele koncertów i różnych dzieł instrumentalnych. Ale nawet gdyby napisał tylko balet „Romeo i Julia”, już na zawsze wpisałby się w historię world music.

Początek podróży

Przyszły kompozytor urodził się 11 kwietnia 1891 roku. Jego matka była pianistką i od wczesnego dzieciństwa wspierała naturalną skłonność Siergieja do muzyki. Już w wieku 6 lat zaczął komponować całe cykle utworów fortepianowych, jego matka spisywała jego kompozycje. W wieku dziewięciu lat miał już wiele drobnych dzieł i dwie całe opery: Olbrzym i Na bezludnych wyspach. Od piątego roku życia uczyła go grać na pianinie, od 10 roku życia regularnie pobierał prywatne lekcje u kompozytora R. Gliere.

Lata studiów

W wieku 13 lat wstąpił do konserwatorium, gdzie uczył się u wybitnych muzykówjego czasów: N. A. Rimski-Korsakow, A. Lyadov, N. Cherepnin. Tam nawiązał przyjazne stosunki z N. Myaskovskim. W 1909 ukończył konserwatorium jako kompozytor, następnie kolejne pięć lat poświęcił na opanowanie sztuki pianistycznej. Następnie studiował organy przez kolejne 3 lata. Za szczególne osiągnięcia w nauce otrzymał złoty medal i nagrodę im. A. Rubinsteina. Od 18 roku życia był już aktywny w działalności koncertowej, występując jako solista i wykonawca własnych kompozycji.

Wczesny Prokofiew

Już wczesne prace Prokofiewa wzbudziły wiele kontrowersji, były albo przyjmowane całym sercem, albo ostro krytykowane. Od pierwszych kroków w muzyce deklarował się jako innowator. Bliski był mu teatralny klimat, dramatyzacja muzyki, a jako człowiek Prokofiew bardzo lubił jasność, uwielbiał zwracać na siebie uwagę. W latach 1910 nazywano go nawet muzycznym futurystą za zamiłowanie do skandalu, za pragnienie niszczenia klasycznych kanonów. Choć kompozytora nie można było nazwać niszczycielem. Organicznie chłonął tradycje klasyczne, ale wciąż szukał nowych wyrazistych form. W jego wczesnych pracach zarysowano również inną charakterystyczną cechę jego twórczości - jest to liryzm. Także jego muzykę cechuje ogromna energia, optymizm, szczególnie we wczesnych utworach, ta niekończąca się radość życia, burza emocji jest namacalna. Połączenie tych specyficznych cech sprawiło, że muzyka Prokofiewa była jasna i niezwykła. Każdy z jego koncertów przeradzał się w ekstrawagancję. Od wczesnych lat Prokofiew zasługują na szczególną uwagęcykl fortepianowy „Sarkazmy”, „Toccata”, „Złudzenie”, II sonata fortepianowa, dwa koncerty na fortepian i orkiestrę, I symfonia Pod koniec lat 20. poznał Diagilewa i zaczął dla niego pisać balety, pierwsze doświadczenie - "Ala i Lolly" zostało odrzucone przez impresario, poradził Prokofiewowi "pisać po rosyjsku" i ta rada stała się najważniejszą zwrotką w życiu kompozytora.

Emigracja

Po ukończeniu konserwatorium Siergiej Prokofiew jedzie do Europy. Odwiedza Londyn, Rzym, Neapol. Czuje, że jest ciasny w starych ramach. Niespokojne czasy rewolucji, bieda i ogólna troska o codzienne problemy w Rosji, zrozumienie, że nikt dziś w ojczyźnie jego muzyki nie potrzebuje, skłaniają kompozytora do idei emigracji. W 1918 wyjeżdża do Tokio, stamtąd przenosi się do USA. Po trzech latach życia w Ameryce, gdzie dużo pracował i koncertował, przeniósł się do Europy. Tutaj nie tylko dużo pracuje, nawet trzykrotnie jeździ do ZSRR, gdzie nie jest uważany za emigranta, zakładano, że Prokofiew był w długiej podróży służbowej za granicę, ale pozostaje obywatelem sowieckim. Wykonuje kilka rozkazów rządu sowieckiego: apartamenty „Porucznik Kizhi”, „Noce egipskie”. Za granicą współpracuje z Diagilewem, zbliża się do Rachmaninowa, komunikuje się z Pablo Picasso. Tam poślubił Hiszpankę Linę Codinę, z którą mieli dwóch synów. W tym okresie Prokofiew stworzył wiele dojrzałych, oryginalnych dzieł, które złożyły się na jego światową sławę. Do takich dzieł należą: balety „Jester”, „Prodigalsyn” i „Gracz”, II, III i IV symfonia, dwa najjaśniejsze koncerty fortepianowe, opera „Miłość do trzech pomarańczy”. W tym czasie talent Prokofiewa dojrzał i stał się wzorem muzyki nowej ery: ostry, intensywny, awangardowy styl kompozytorski sprawił, że jego kompozycje stały się niezapomniane.

Powrót

Na początku lat 30. twórczość Prokofiewa staje się bardziej umiarkowana, odczuwa silną nostalgię, zaczyna myśleć o powrocie. W 1933 r. wraz z rodziną przyjechał do ZSRR na pobyt stały. Następnie będzie mógł wyjechać za granicę tylko dwa razy. Ale jego życie twórcze w tym okresie charakteryzuje się największą intensywnością. Dzieła Prokofiewa, już dojrzałego mistrza, stają się wyraźnie rosyjskie, coraz częściej słychać w nich motywy narodowe. To nadaje jego oryginalnej muzyce większą głębię i charakter.

Pod koniec lat 40. Prokofiew był krytykowany „za formalizm”, jego niestandardowa opera „Opowieść o prawdziwym człowieku” nie mieściła się w sowieckich kanonach muzycznych. Kompozytor był w tym okresie chory, ale nadal intensywnie pracował, prawie stale mieszkając na wsi. Unika wszelkich oficjalnych wydarzeń, a muzyczna biurokracja zapomina o nim, jego istnienie jest prawie niezauważalne w ówczesnej kulturze sowieckiej. A jednocześnie kompozytor nadal ciężko pracuje, pisze operę „Opowieść o kamiennym kwiecie”, oratorium „Na straży świata”, kompozycje fortepianowe. W 1952 roku w moskiewskiej sali koncertowej wykonano jego VII symfonię, była to ostatniadzieło, które autor usłyszał ze sceny. W 1953 roku, tego samego dnia co Stalin, zmarł Prokofiew. Jego śmierć przeszła prawie niezauważona dla kraju, został po cichu pochowany na cmentarzu Nowodziewiczy.

Styl muzyczny Prokofiewa

Kompozytor próbował się we wszystkich gatunkach muzycznych, szukał nowych form, dużo eksperymentując, zwłaszcza we wczesnych latach. Opery Prokofiewa były na owe czasy tak nowatorskie, że w dniach premier publiczność masowo opuszczała salę. Po raz pierwszy pozwolił sobie na odejście od poetyckiego libretta i tworzenie muzycznych kreacji opartych m.in. na takich utworach jak Wojna i pokój. Już jego pierwsza kompozycja „Uczta w czasach zarazy” stała się przykładem odważnego operowania tradycyjnymi technikami i formami muzycznymi. Odważnie łączył techniki recytacji z rytmami muzycznymi, tworząc nowe operowe brzmienie. Jego balety były tak oryginalne, że choreografowie uważali, że nie można tańczyć do takiej muzyki. Ale stopniowo dostrzegli, że kompozytor stara się oddać zewnętrzny charakter postaci z głęboką psychologiczną prawdziwością i zaczęli dużo wystawiać swoje balety. Ważną cechą dojrzałego Prokofiewa było posługiwanie się narodowymi tradycjami muzycznymi, które głosili niegdyś M. Glinka i M. Musorgski. Cechą charakterystyczną jego kompozycji była ogromna energia i nowy rytm: ostry i wyrazisty.

Dziedzictwo operowe

Już od najmłodszych lat Siergiej Prokofiew zwrócił się ku tak złożonej formie muzycznej, jakopera. Jako młody człowiek zaczyna pracować nad klasycznymi wątkami operowymi: Ondyną (1905), Ucztą w czasach zarazy (1908), Maddaleną (1911). W nich kompozytor odważnie eksperymentuje z wykorzystaniem możliwości ludzkiego głosu. Pod koniec lat 30. gatunek opery przeżył ostry kryzys. Najwięksi artyści nie pracują już w tym gatunku, nie dostrzegając w nim wyrazistych możliwości, które pozwoliłyby im wyrazić nowe modernistyczne idee. Opery Prokofiewa stały się odważnym wyzwaniem dla klasyków. Jego najsłynniejsze dzieła: „Gracz”, „Miłość do trzech pomarańczy”, „Ognisty anioł”, „Wojna i pokój” są dziś najcenniejszym dziedzictwem muzyki XX wieku. Współcześni słuchacze i krytycy rozumieją wartość tych kompozycji, czują ich głęboką melodię, rytm, szczególne podejście do tworzenia postaci.

Balety Prokofiewa

Kompozytor od dzieciństwa miał ochotę na teatr, do wielu swoich utworów wprowadzał elementy dramaturgii, więc przejście do formy baletowej było całkiem logiczne. Znajomość Siergieja Diagilewa skłoniła muzyka do podjęcia pisania baletu Opowieść o błaźnie, który przechytrzył siedmiu błaznów (1921). Utwór został wystawiony w przedsiębiorstwie Diagilewa, podobnie jak dzieła: „Stalowa lopa” (1927) i „Syn marnotrawny” (1929). W ten sposób na świecie pojawił się nowy wybitny kompozytor baletowy – Prokofiew. Balet „Romeo i Julia” (1938) stał się szczytem jego twórczości. Dziś to dzieło wystawiane jest we wszystkich najlepszych teatrach świata. Później tworzy kolejne arcydzieło - balet „Kopciuszek”. Prokofiew był w stanie zrealizować swoje…ukryty liryzm i melodia w tych jego najlepszych utworach.

Romeo i Julia

W 1935 kompozytor zwraca się do klasycznej fabuły Szekspira. Od dwóch lat pisze kompozycję nowego typu, więc nawet w takim materiale pojawia się nowator Prokofiew. Balet „Romeo i Julia” to dramat choreograficzny, w którym kompozytor odchodzi od utartych kanonów. Najpierw uznał, że koniec opowieści będzie szczęśliwy, co w żaden sposób nie było zgodne z literackim źródłem. Po drugie, postanowił skupić się nie na początkach tańca, ale na psychologii powstawania obrazów. Takie podejście było bardzo nietypowe dla choreografów i wykonawców, więc droga baletu na scenę zajęła długie pięć lat.

Kopciuszek

Balet „Kopciuszek” Prokofiew pisał przez 5 lat - jego najbardziej liryczne dzieło. W 1944 kompozycja została ukończona, a rok później wystawiona w Teatrze Bolszoj. Dzieło to wyróżnia subtelne obrazy psychologiczne, muzykę cechuje szczerość i złożona różnorodność. Obraz bohaterki ujawnia się poprzez głębokie przeżycia i złożone uczucia. Sarkazm kompozytora przejawiał się w tworzeniu wizerunków dworzan, macochy i jej córek. Dodatkową ekspresyjną cechą kompozycji stała się neoklasyczna stylizacja postaci negatywowych.

Symfonia

W sumie kompozytor napisał w swoim życiu siedem symfonii. W swojej pracy sam Siergiej Prokofiew wyróżnił cztery główne linie. Pierwsza to klasyka, która wiąże się ze zrozumieniem tradycyjnych zasad myślenia muzycznego. Właśnie tę linię reprezentuje I Symfonia D-dur, któraAutor nazwał to „klasycznym”. Druga linia jest nowatorska, związana z eksperymentami kompozytora. Należy do niej II Symfonia d-moll. Symfonie III i IV są ściśle związane z twórczością teatralną. 5 i 6 pojawiły się w wyniku wojskowych doświadczeń kompozytora. Siódma Symfonia stała się refleksją nad życiem, pragnieniem prostoty.

Muzyka instrumentalna

Dziedzictwo kompozytora - ponad 10 koncertów instrumentalnych, około 10 sonat, wiele sztuk teatralnych, opusów, etiud. Trzecia linia twórczości Prokofiewa jest liryczna, reprezentowana głównie przez utwory instrumentalne. Należą do nich I Koncert skrzypcowy, utwory "Dreams", "Legends", "Badmother's Tales". W jego twórczym bagażu znajduje się nowatorska sonata na skrzypce solo D-dur, która powstała w 1947 roku. Kompozycje z różnych epok odzwierciedlają ewolucję metody twórczej autora: od ostrej innowacji po liryzm i prostotę. Jego II Sonata fletowa jest dziś klasykiem dla wielu wykonawców. Wyróżnia się harmonią melodyczną, duchowością i delikatnym rytmem wiatru.

Utwory fortepianowe Prokofiewa stanowiły ogromną część jego dziedzictwa, a ich oryginalny styl sprawił, że kompozycje stały się niezwykle popularne wśród pianistów na całym świecie.

Inne prace

Kompozytor w swojej twórczości zwrócił się ku największym formom muzycznym: kantatom i oratorium. Pierwsza kantata „Siedem z nich” została napisana przez niego w 1917 roku do wierszy K. Balmonta i stała się żywym eksperymentem. Później napisał jeszcze 8 ważniejszych utworów, m.in. kantatę „Pieśni naszych dni”, oratorium „Na straży pokoju”. Szczególny rozdział w jego twórczości stanowią prace dla dzieci. W 1935 Natalia Sats zaprasza go do napisania czegoś do jej teatru. Prokofiew z zainteresowaniem zareagował na ten pomysł i stworzył słynną symfoniczną bajkę „Piotruś i Wilk”, która stała się niezwykłym eksperymentem autora. Kolejną kartą biografii kompozytora jest muzyka Prokofiewa do kina. Jego filmografia składa się z 8 obrazów, z których każdy stał się poważnym dziełem symfonicznym.

Po 1948 roku kompozytor przeżywa kryzys twórczy, kompozycje z tego okresu nie cieszą się dużym powodzeniem, poza niektórymi. Twórczość kompozytora jest dziś uznawana za klasykę, jest dużo studiowana i wykonywana.