Ekspresjonizm w muzyce to Ekspresjonizm w muzyce XX wieku

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

W pierwszej ćwierci XX wieku w literaturze, sztukach plastycznych, kinie i muzyce pojawił się nowy kierunek, przeciwny do klasycznych poglądów na twórczość, głoszący ekspresję subiektywnego świata duchowego człowieka jako głównego cel sztuki. Ekspresjonizm w muzyce to jeden z najbardziej kontrowersyjnych i złożonych ruchów.

Jak pojawił się ekspresjonizm

Ekspresjonizm pojawił się i zamanifestował najwyraźniej w kulturze Austrii i Niemiec. W 1905 r. w Dreźnie na wydziale Wyższej Szkoły Technicznej studenci utworzyli koło, które nazwano „Mostem”. Jego uczestnikami zostali E. Nolde, P. Klee, M. Pichstein, E. Kirchner. Wkrótce do niemieckich artystów dołączyli obcokrajowcy, w tym imigranci z Rosji. Później, w 1911 roku, w Monachium pojawiło się kolejne stowarzyszenie – Błękitny Jeździec, w skład którego weszli W. Kandinsky, P. Klee, F. Mark, L. Feininger.

To właśnie te kubki stały sięprekursorzy kierunku artystycznego, po którym zaczęły pojawiać się stowarzyszenia literackie, w Berlinie ukazywały się czasopisma („Burza”, „Burza”, „Akcja”), kierunek pojawił się w fikcji i muzyce.

Uważa się, że termin „ekspresjonizm” został wprowadzony w 1910 r. przez historyka z Czech A. Mateycka. Ale na długo wcześniej, pod koniec XV i na początku XVI wieku, hiszpańscy artyści El Greco i Mattias Grunewald z Niemiec stosowali już w swojej pracy technikę egz altacji i skrajnej emocjonalności. A ekspresjoniści XX wieku zaczęli uważać się za swoich zwolenników i opierając się na dziełach Fryderyka Nietzschego (traktat „Narodziny tragedii”) na irracjonalnym („dionizyjskim”) początkach sztuki, zaczęli wypracowywać kierunki dla chaos uczuć i sposobów wyrażania go w sztuce.

Co to jest ekspresjonizm

Uważa się, że ekspresjonizm powstał z powodu bolesnej i złożonej reakcji psychiki ludzi na okropności współczesnej cywilizacji, takie jak wojna (I wojna światowa), ruchy rewolucyjne. Strach, rozczarowanie, niepokój, ból, zniekształcona psychika – wszystko to nie pozwalało artystom obiektywnie postrzegać otaczającego ich świata. A potem opracowano nową zasadę, która całkowicie odrzuciła naturalizm i estetykę charakterystyczną dla poprzednich pokoleń twórców.

Estetyka ekspresjonizmu w literaturze, malarstwie i muzyce opiera się na wyrażaniu subiektywnych odczuć, demonstracji wewnętrznego świata człowieka. Nie obraz staje się ważniejszy, ale wyrażanie emocji (ból, krzyk, przerażenie). W kreatywnościzadaniem nie jest odtworzenie rzeczywistości, ale przekazanie związanych z nią doświadczeń. Aktywnie posługuję się różnymi środkami wyrazu - przesada, komplikacja lub uproszczenie, przemieszczenie.

Ekspresjonizm w muzyce - co to jest?

Kompozytorzy zawsze dążyli do nowego i nieznanego. W każdej z epok istnieli muzycy, którzy podążali za duchem czasu i pod wpływem nowych trendów w sztuce odkrywali i wymyślali swoje sposoby poprzez muzyczne środki wyrazu.

Ekspresjonizm w muzyce to „psychogram ludzkiej duszy”. Tak powiedział niemiecki filozof Theodor Adorno. Wszelkie tradycje, klasyczne formy utworu muzycznego, tonacje i inne formalne ograniczenia stylów (klasycyzm, romantyzm, rokoko) są odrzucane przez ekspresjonizm w muzyce, to jest jej główny wyróżnik.

Podstawowe środki wyrazu

• Ekstremalny stopień dysonansu w harmonii.
• Brak klasycznego rozumienia metrum i rytmu w muzyce.
• Nieciągłość, ostrość, przerwana linia melodyczna.
• Ostre i niestandardowe interwały i akordy.
• Zmiana tempa muzyki jest nagła i nieoczekiwana.
• Brak standardowego trybu major-moll - atonality.
• Zastąpienie partii wokalnej partią instrumentalną i odwrotnie.
• Zastąpienie śpiewu mową, szeptem, krzykiem.
• Nieregularność i nietypowe rozmieszczenie akcentów w rytmie.

Ekspresjonizm w muzyce XX wieku

Wyłonienie się nowego kierunku w muzyce na początku XX wieku doprowadziło do silnej zmiany w jej idei. Ekspresjonizm w muzyce to odrzucenie klasycznej formy utworu, metrum, tonacji i trybów. Nowe środki wyrazu, takie jak atonalność (odejście od logiki klasycznego trybu dur-moll), dodekafonia (połączenie dwunastu tonów), nowe techniki śpiewu w utworach wokalnych (mówienie, śpiewanie, szeptanie, wrzask) doprowadziły do możliwości bardziej bezpośredni „ekspresja duszy” (T. Adorno).

Koncepcja muzycznego ekspresjonizmu w XX wieku związana jest z II szkołą wiedeńską (Novovenskaya) oraz nazwiskiem austriackiego kompozytora Arnolda Schoenberga. W pierwszej i drugiej dekadzie XX wieku Schoenberg i jego uczniowie Alban Berg i Anton Webern położyli podwaliny pod ruch i napisali szereg dzieł w nowym stylu. Również w latach 10 XX wieku swoje utwory z tendencją do impresjonizmu tworzą następujący kompozytorzy:

• Paul Hindemith.
• Igor Strawiński.
• Bela Bartok.
• Ernst Ksheneck.

Nowa muzyka wywołała burzę emocji i falę krytyki wśród publiczności. Wielu uważało muzykę kompozytorów ekspresjonistycznych za przerażającą i przerażającą, ale wciąż znajdowało w niej pewną głębię, rozmyślność i mistycyzm.

Pomysł

Kompozytorzy odnaleźli ekspresjonizm w muzyce w jasnym i ostrym subiektywnym doświadczeniu, emocjach jednej osoby. Tematy samotności, depresji,Nieporozumienie, strach, ból, melancholia i rozpacz – to najważniejsze, co muzycy chcieli wyrazić w swoich utworach. Intonacje mowy, brak melodii, ruchy dysonansowe, skoki skokowe i dysonansowe, fragmentacja rytmu i tempa, nieregularne akcentowanie, naprzemienne bicie słabych i mocnych, niestandardowe użycie instrumentów (w niekonwencjonalnym rejestrze, w niekonwencjonalnym zespole) - wszystko idee te powstały w celu wyrażenia uczuć i ujawnienia treści duszy kompozytora.

Kompozytorzy - ekspresjoniści

Przedstawicielami ekspresjonizmu w muzyce są:

Arnold Schoenberg (cykl wokalny Księżycowy Pierrot, monodram Waiting, kantata Ocalały w Warszawie, opera Aaron i Mojżesz, Oda do Napoleona)

Ernst Krenek (opera "Orfeusz i Eurydyka", opera "Johnny brzdąka")

Bela Bartok („Sonata”, „I Koncert fortepianowy”, „Trzeci Koncert fortepianowy”, „Muzyka na smyczki, perkusję i celestę”, „Święto wiosny”, „Wspaniały mandaryński” i inne)

Paul Hindemith (jednoaktowa opera „Killer, Women's Hope”, suita fortepianowa „1922”)

Igor Strawiński („Opowieść o Lisie”, „Wesele”, „Słowik”, „Ognisty ptak”, „Pietruszka” i wiele innych)

Gustav Mahler (zwłaszcza późniejsze dzieła „Pieśń o Ziemi” i niedokończona dziesiątasymfonia)

Alban Berg (Opera Wozzeck)

Anton Webern (pięć utworów orkiestrowych, trio smyczkowe, Holy of Holy, contata Light of the Eyes)

Richard Strauss (opery Elektra i Solomeya)

Ekspresjonistyczna muzyka kameralna

Zdarzyło się, że szkoła Schönberga stopniowo odchodziła od podstawowych form symfonicznych, co może charakteryzować ekspresjonizm w muzyce. Dużo częściej w tym stylu występują obrazy muzyki kameralnej (na jeden instrument, duety, kwartety lub kwintety i małe orkiestry). Schoenberg uważał, że jego wynalazek – atonalność – nie pasuje do dzieł monumentalnych i wielkoformatowych.

Nowa szkoła wiedeńska to inna interpretacja muzyki. Chaos, duchowość, nowe poczucie prawdy życia bez upiększeń i fiksacji stały się podstawą artystycznej autoekspresji. Destrukcja melodii, wymyślanie innej tonacji – bunt przeciwko tradycyjnemu spojrzeniu na sztukę – zawsze wywoływała oburzenie i sprzeczności wśród krytyków. Nie przeszkodziło to jednak nowym kompozytorom wiedeńskim w zdobyciu światowego uznania i ogromnej liczby słuchaczy.