Obrazy Rubensa z tytułami. Peter Paul Rubens: najsłynniejsze dzieła

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Peter Paul Rubens jest słusznie uważany za jednego z największych flamandzkich artystów XVII wieku. Jego obrazy znajdują się w najlepszych galeriach na świecie, a wiele prac malarza znanych jest wizualnie nawet tym, którzy nigdy nie słyszeli jego nazwiska. Najsłynniejsze obrazy Rubensa z nazwami i opisami przedstawimy w dalszej części artykułu.

Krótka biografia artysty

Peter Paul Rubens urodził się 28 czerwca 1577 r. w Siegen (Niemcy), w zamożnej i słynnej rodzinie rzemieślników i kupców. Kiedy przyszły artysta miał 8 lat, rodzina Rubensów przeniosła się do Kolonii (Niemcy), gdzie młody człowiek studiował humanistykę najpierw w szkole jezuickiej, a następnie w bogatej szkole świeckiej, uczył się języka greckiego i wykazywał fenomenalne zdolności pamięciowe. W wieku 13 lat, dzięki więzom rodzinnym, Peter Paul został umieszczony jako paź belgijskiej hrabiny de Lalene. Ale młody człowiek nie chciał być dworzaninem, a rok później zaczął studiować malarstwo. Jego pierwszym znanym mentorem był artysta Otto van Veen.

Na początku XVII wieku początkujący artysta podróżował po Włoszech i Hiszpanii,gdzie był bardzo zainspirowany szkołą starych mistrzów. W tym okresie powstały obrazy Rubensa zatytułowane „Autoportret w kręgu Veronese Friends”, „Złożenie do grobu”, „Herkules i Omfala”, „Heraklit i Demokryt”. Stworzył wiele kopii słynnych obrazów włoskich i hiszpańskich artystów, takich jak Rafael i Tycjan.

Po ponad 8-letniej podróży Peter Paul Rubens przybył do belgijskiej Antwerpii, a już w 1610 roku w Brukseli otrzymał z rąk księcia Albrechta tytuł nadwornego malarza. Pojawiło się wówczas wiele obrazów Rubensa z tytułami zawierającymi imiona samego księcia i jego żony Izabeli Klary Eugenii, gdyż rządząca para nie chciała rozstać się z artystą – ich wpływy w znacznym stopniu przyczyniły się do twórczego sukcesu i uznania Rubensa. Ale nadal nie chciał zostać w Brukseli, wrócił do Antwerpii i poślubił Isabellę Brant, która stała się jego ulubioną modelką i matką trójki dzieci. W 1611 roku artysta nabył dla siebie i swojej rodziny ogromny dom warsztatowy i od tego momentu rozpoczął się szczególnie owocny okres jego twórczości. Nic nie ograniczało artysty - zapewniono mu pieniądze i czas, a także otrzymał wystarczające umiejętności do swobodnej kreatywności.

Przez cały czas swojej pracy artystycznej Peter Paul Rubens namalował ponad 3000 obrazów, z których wiele wpłynęło na twórczość kolejnych pokoleń artystów. Nie był innowatorem, ale dopracował klasyczny styl flamandzki do niesamowitego poziomu żywotności.i piękno.

W latach 20. XVII wieku Rubens opanował także karierę dyplomatyczną. Ułatwiła to owocna praca na dworze Marii Medici. Teraz artysta regularnie odwiedzał Anglię i Francję w sprawach politycznych.

W 1626 34-letnia żona Rubensa zmarła na dżumę. Po tym szoku odszedł na chwilę z malarstwa i zagłębił się w działalność polityczną i dyplomatyczną. Teraz jego misje rozprzestrzeniły się na Danię i Hiszpanię, ale trudna sytuacja polityczna i wydalenie Medyceuszy spowodowały niechęć do Rubensa wśród innych dyplomatów, gdy wprost stwierdzili, że "artyści nie potrzebują". Wciąż próbował nawiązywać kontakty polityczne, ale ostatecznie opuścił ten obszar w 1635 roku.

Ale w trakcie działań dyplomatycznych, w 1630 roku artysta ponownie poważnie zajął się pędzlami i postanowił ponownie się ożenić - wybranką 53-latki została 16-letnia córka kupca Elena Fourmen Rubensa. Od tego momentu stała się głównym wzorem i inspiracją dla artysty, malował od niej wiele portretów, a także wykorzystywał ją do przedstawiania mitycznych i biblijnych bohaterek. Elena urodziła Rubensowi pięcioro dzieci, ale on miał szansę żyć z nią tylko przez dziesięć lat. Artysta zmarł na podagrę 30 maja 1640 r.

Autoportrety

Portrety Petera Paula Rubensa, które sam namalował, przewyższają liczbę autoportretów wszystkich artystów przed nim. A potem tylko Rembrandt mógł się z nim w tym równać. Rubens kochał zarówno klasyczne autoportrety, jak i obdarowywanie własnymitwarz jakiegoś bohatera z fabuły. Pierwszym takim dziełem był „Autoportret w kręgu przyjaciół Werony”, napisany w 1606 roku we Włoszech. Ciekawe, że na płótnie twarz autora różni się od twarzy jego przyjaciół - jest jakby oświetlona niewidzialnym źródłem i jedynym patrzącym bezpośrednio na widza.

A najsłynniejszy autoportret można uznać za napisany w 1623 roku - prawie żadna biografia Rubensa nie może się obejść bez tego obrazu, którego reprodukcję prezentujemy powyżej. Innym słynnym portretem jest „Czterej Filozofowie” z 1611 r., który zostanie omówiony bardziej szczegółowo później. Ostatnim autoportretem artysty był obraz namalowany rok przed śmiercią, w 1639 roku. Jej fragment przedstawiony jest w podtytule „Krótka biografia artysty”. A oto jeszcze kilka obrazów, na których pojawia się portret autora:

• "Autoportret z Isabellą Brant" (1610).
• "Autoportret" (1618).
• "Autoportret z synem Albertem" (1620).
• "Autoportret" (1628).
• „Ogród Miłości” (1630.).
• "Autoportret z Heleną Fourman" (1631).
• "Rubens, jego żona Helena Fourman i ich syn" (koniec lat 30. XVI wieku).

Sąd Ostateczny

Bez tytułu „Sąd Ostateczny” Rubens ma dwa obrazy i oba znajdują się w monachijskiej galerii „Alte Pinakothek”. Pierwsza z nich, której fragment przedstawiono powyżej, powstała w 1617 roku. Ona skończyłaolej na desce o wymiarach 606 na 460 cm, dlatego drugi obraz o wymiarach 183 na 119 cm nazywany jest często „Małym Sądem Ostatecznym”. Większość płótna zajmują zwykli śmiertelnicy, dosłownie rozproszeni w różnych kierunkach mocą Chrystusa, która zstąpiła na nich. Niektórzy z nich są ubrani, inni nadzy, ale na wszystkich twarzach jest przerażenie i rozpacz, a niektórzy są całkowicie porywani przez demoniczne stworzenia. Bóg w postaci Jezusa Chrystusa jest przedstawiony na samej górze obrazu pośrodku, emanuje z niego światło, zamiast ubrania jest jasnoczerwony płótno, a za nim są albo święci, albo umarli, którzy już poszli do nieba. Po bokach Jezusa są Dziewica Maryja i Mojżesz ze świętymi tablicami w dłoniach.

Na drugim obrazie, który Rubens namalował w 1620 roku, widać jakby kontynuację lub wariację pierwszego płótna. Mimo mniejszych rozmiarów płótno jest bardziej wydłużone, Bóg znów na samej górze, ale teraz pojawił się też obraz piekła. Grzesznicy wlewają się w otchłań, gdzie spotykają ich radosne diabły, a anioły z trąbami nie pozwalają ludziom się wspinać, broniąc się tarczami.

Tryptyki ołtarzowe

Dla Rubensa praca ołtarzowa stała się jednym z głównych rodzajów działalności artystycznej w okresie od 1610 do 1620 roku. Nazywa się je ołtarzowymi, ponieważ artysta napisał je głównie po to, by ozdobić kościół, a niektóre nawet w samym kościele, aby prawidłowo uchwycić padającą światło w miejscu, w którym miałoby być płótno. W tym czasie Rubens stworzył siedem obrazów z krucyfiksem, pięć - ukazujących moment wyjęcia zkrzyż i trzy z jego wywyższeniem, a także wiele innych wizerunków Chrystusa, świętych i tematów biblijnych. Ale najbardziej znane z nich to tryptyki, które znajdują się w katedrze Matki Bożej w Antwerpii. Tryptyk „Podwyższenie Krzyża Pańskiego”, którego fragment można zobaczyć na głównym zdjęciu tego artykułu, został stworzony przez artystę w 1610 roku dla ołtarza starego kościoła św. na ich obecne miejsce w 1816 roku. Tryptyk „Zejście z krzyża” (widoczny powyżej) powstał specjalnie dla Katedry, w której znajduje się do dziś, od 1612 do 1614 roku. Wielu nazywa ten monumentalny obraz najlepszym dziełem Rubensa, a także ogólnie jednym z najlepszych obrazów epoki baroku.

Unia ziemi i wody

Obraz Rubensa „Unia Ziemi i Wody”, napisany w 1618 roku, znajduje się w Państwowym Muzeum Ermitażu (St. Petersburg). Płótno przedstawiające boginię Ziemi Kybele, bogów morza Neptuna i Trytona oraz boginię Wiktorię ma kilka znaczeń naraz. Neptun i Kybele wchodzą w sojusz, czule trzymając się za ręce i patrząc na siebie, koronuje ich Wiktoria, a wynurzający się z głębin morskich syn Neptuna Tryton dmucha w muszlę. Przede wszystkim fabuła uosabia boski związek między kobiecością a męskością, ponieważ dla artystki pełna naga kobieta zawsze była symbolem tego, co ziemskie, płodne, naturalne. Ale osobiście dla Rubensa „Unia Ziemi i Wody” była także wskazówką do trudnej sytuacji Flemingów, pozbawionych w tym okresie dostępu do morza. Holenderska blokada. Najprostszą interpretację można uznać za mitologiczną jedność dwóch elementów, prowadzącą do harmonii świata. Ponieważ płótno znajdujące się w Ermitażu zostało uznane za własność, w 1977 roku w ZSRR wydano znaczki pocztowe z tym obrazem.

Trzy Gracje

Kolejny z najsłynniejszych obrazów artysty został namalowany w ostatnim roku jego życia - 1639. Płótno z elegancką nazwą „Trzy Gracje” jest przechowywane w Hiszpańskim Muzeum Prado. Na nim, w ulubiony sposób artysty, w jakimś raju, przedstawione są trzy nagie, pulchne kobiety, uosabiające starożytne rzymskie łaski - boginie zabawy i radości. W starożytnej Grecji boginie te nazywano Charites. Wirują płynnie w tańcu, obejmując się i patrząc na siebie, najwyraźniej w przyjemnej rozmowie. Mimo identycznych figur, których wizerunek u Rubensa zawsze zawierał wyjątkowo gładkie, zaokrąglone linie bez jednego kąta, odróżniał kobiety w kolorze włosów. Jasna blondynka stoi w jasnej części krajobrazu na tle nieba, przeciwnie, brązowowłosa kobieta jest przedstawiona na tle drzew, a między nimi, na przełomie światła i ciemności, rudowłosa bogini harmonijnie powstały.

Dwie satyry

Obraz Rubensa „Dwóch satyrów” kontynuuje wątek mitologicznych stworzeń. Został napisany w 1619 roku i obecnie znajduje się również w monachijskiej Alte Pinakothek. W przeciwieństwie do większości monumentalnych dzieł artysty, płótno to ma stosunkowo niewielki rozmiarformat ma tylko 76 x 66 cm W starożytnej mitologii greckiej satyry nazywano satyrami Dionizosa, boga wina, wesołych demonów leśnych z kozimi nogami i rogami. Wiadomo, że satyrowie nie byli zbyt leniwi, by robić tylko dwie rzeczy – rozpustę z nimfami i picie wina. Rubens przedstawił dwa przeciwstawne typy satyrów - ten w tle wyraźnie preferuje alkohol. Świadczą o tym jego szczupła twarz i nadmiar spływający po szkle. Na pierwszym planie wyraźnie przedstawiony jest zmysłowy mężczyzna – pożądliwe spojrzenie i uśmiech dosłownie przeszywają widza, a kiść winogron delikatnie ściśnięta w jego dłoni wprawi w zakłopotanie nawet najbardziej wyrafinowanego widza.

Perseusz uwalnia Andromedę

Powyżej widać fragmenty trzech obrazów. Pierwsza należy do pędzla Lamberta Sustrisa – „Perseusz uwalnia Andromedę”. Został napisany w połowie XVI wieku. To właśnie ta praca zainspirowała Rubensa do stworzenia swojego pierwszego płótna o tej samej nazwie w 1620 roku. Zmieniwszy nieco płaski, średniowieczny styl Sustris, artysta niemal dosłownie odtworzył pozy bohaterów i ogólną fabułę mitologiczną (fragment drugi). Ten obraz jest przechowywany w Berlińskiej Galerii Sztuki.

Dwa lata później Rubens ponownie zwrócił się do historii Perseusza i Andromedy i namalował kolejny obraz o tej samej nazwie (trzeci fragment). Mimo niewielkiej różnicy, tutaj charakterystyczny styl artysty ujawnia się już w większym stopniu – bogini zwycięstwa Nike ponownie koronuje głowy bohaterów, amałe amorki trzepoczą wokół. Pomimo tego, że Perseusz jest starożytnym greckim bohaterem, ubrany jest w strój rzymskiego wojownika. Podobnie jak „Zjednoczenie Ziemi i Wody”, ten obraz należy do kolekcji Państwowego Ermitażu.

Wenus przed lustrem

W swoim obrazie z 1615 r. „Wenus przed lustrem” Rubens do pewnego stopnia powtarza fabułę stworzoną wcześniej przez Tycjana, w której półnaga Wenus patrzy w lustro trzymane przez kupidyna. Jednak czarny sługa obecny obok Wenus z Rubensa sugeruje, że jego Wenus wcale nie jest boginią, ale ziemską kobietą podatną na boski narcyzm. Zgodnie ze swoim zwyczajem artysta ponownie przedstawił nabrzmiałą białoskórą kobietę bez ubrania, ale ze złotą biżuterią i cienkim, przezroczystym płótnem u jej stóp. Pokojówka albo czesze, albo po prostu sortuje piękne złote włosy swojej kochanki. Obraz jest obecnie przechowywany w Muzeum Kolekcji Liechtensteinu w Wiedniu.

Czterej filozofowie

Na obrazie z 1611 roku „Czterej Filozofowie” Rubens, oprócz siebie, przedstawił swojego ukochanego brata Filipa, zmarłego w tym roku, uczonego filozofa Justusa Lipsiusa i jego ucznia Jana Voveriusa. Również na płótnie był Mops - ukochany pies Lipsia, który pochylił głowę na kolanach Voveriusa. Na zdjęciu nie ma specjalnego tła fabularnego: podobnie jak „Autoportret z przyjaciółmi z Werony”, napisany z okazji śmierci Lipsiusa w 1606 r., obraz jest dedykacją dla bliskichLudzie Rubensa i czas, który udało mu się z nimi spędzić. Obraz można zobaczyć we florenckim Palazzo Pitti.

Polowanie na lwy

Od 1610 do 1620 artysta pasjonował się pisaniem scen łowieckich. Po osiągnięciu wielkich umiejętności przedstawiania ludzkiego ciała, chciał połączyć to z demonstracją ciał dużych zwierząt, którą właśnie opanowywał. Jednym z najsłynniejszych obrazów Rubensa na ten temat jest „Polowanie na lwy”, napisane w 1621 roku. Sprzeciw między ludzką bronią a siłami dzikich zwierząt jest żywo ukazany w śmiałej konfrontacji dwóch muskularnych lwów z siedmioma myśliwymi, z których połowa atakuje konno. Jeden z lwów jest gotów rozerwać myśliwego sztyletem na ziemię, drugi zębami ściągnął myśliwego z konia, ściskając pazurami ciało zwierzęcia. Pomimo tego, że ten lew jest dźgnięty trzema włóczniami na raz, jest zły i nie cofa się, a tylko miecz jednego z łowców daje nadzieję na pokonanie wściekłej bestii. Jeden z myśliwych leży nieprzytomny z nożem w dłoni. Szczególnie interesujący na tym zdjęciu jest fakt, że postacie ze Wschodu i Europy polowały razem - wynika to z ich ubrań i broni. Obraz jest obecnie przechowywany w monachijskiej Starej Pinakotece.

Portrety zakochanych

Dość duża kolekcja obrazów Rubensa z tytułami zawierającymi imię jego pierwszej żony Isabelli Brant. Z reguły są to albo jej osobisteportrety, czyli wspólne autoportrety pary. Na wyborze reprodukcji powyżej możesz zobaczyć:

• „Portret Lady Isabelli Brant” (koniec 1620).
• "Portret Isabelli Brant" (1610).
• „Portret Isabelli Brant” (1625).
• "Autoportret z Isabellą Brant" (1610).

Ostatni obraz uważany jest za jeden z najlepszych portretów artysty. On i jego młoda żona są przedstawieni niezwykle plastycznie, jak na fotografii - trudno uwierzyć, że bohaterowie nie zostają uchwyceni na chwilę. Jeden z najpiękniejszych detali tego płótna można nazwać dłońmi kochanków i ich delikatnym dotykiem, lepiej przekazują miłość i interakcję, niż gdyby postacie po prostu na siebie patrzyły. Obecnie obraz jest również przechowywany w monachijskiej Alte Pinakothek.

Portrety Heleny Fourman, które można zobaczyć powyżej, stały się głównym tematem malarstwa Rubensa w ostatnich latach jego życia. Prezentowane są fragmenty następujących płócien:

• "Helena Fourman i Frans Rubens" (1639).
• "Portret Heleny Fourman" (1632).
• "Futro" (1638).
• „Helen Fourman w sukni ślubnej” (1631.).
• "Portret Heleny Fourman, drugiej żony artysty" (1630).
• "Rubens z żoną Heleną Fourman i synem" (1638).

Ale najsłynniejszy portret Helen Fourman jest autorstwa niejmąż uważany jest za napisany w 1630 r., którego reprodukcję przedstawiono powyżej. Przedstawia 16-letnią młodą żonę we wspaniałym stroju podróżnym, pięknym aksamitnym kapeluszu w stylu holenderskim i dwoma delikatnymi kwiatami róż przyciśniętymi do brzucha. Uważa się, że w tym okresie druga żona Rubensa była już w ciąży i właśnie to reprezentują kwiaty na brzuchu. Płótno znajduje się w Haskiej Królewskiej Galerii Sztuki Mauritshuis.