Skala temperamentu: koncepcja, historia występowania i podstawy teorii muzyki

2025 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2025-01-24 21:16

Jedna z najsłynniejszych kreacji Jana Sebastiana Bacha nosi nazwę Well-Tempered Clavier, w skrócie „HTK”. Jak należy rozumieć ten nagłówek? Zwraca uwagę, że wszystkie utwory z cyklu zostały napisane na clavier, który ma skalę temperamentu, czyli typową dla większości współczesnych instrumentów muzycznych. Jakie są jego cechy i jak się pojawiło? Dowiesz się o tym i wiele więcej z artykułu.

Informacje ogólne

Skala temperowana zakłada, że każda oktawa (odległość między tymi samymi nutami o różnych wysokościach) jest podzielona na pewną liczbę równych interwałów. W większości przypadków zastosowania takiego stroju dźwięki są ułożone w półtonach. Jeśli wyobrazimy sobie klawiaturę fortepianu, to dokładnie ten interwał jest równy odległości między nimisąsiedni klucz. To samo można powiedzieć o każdym innym instrumencie klawiszowym, dętym czy innym instrumencie.

Na przykład na gitarze, pomiędzy sąsiednimi dźwiękami tej samej struny, umieszczany jest interwał małej sekundy, który jest równy pół tonu.

Wartość temperamentu

Nazwa tego systemu pochodzi od łacińskiego rdzenia oznaczającego pomiar. Dlatego osiągnięcie to można przypisać nie tylko teorii muzyki, ale także matematyce. Rzeczywiście, próby opracowania takiego systemu od czasów starożytnych podejmowali ludzie, którzy byli profesjonalistami w tych dwóch dziedzinach wiedzy, a także znali inne nauki, np. fizykę. I nie jest to zaskakujące, ponieważ w tym przypadku osoba ma do czynienia z wibracjami powietrza, które wytwarzają dźwięki.

Obliczenia matematyczne pomogły naukowcom usystematyzować w ten sposób dźwięki składające się na oktawę, aby ułatwić muzykom wykonywanie niektórych zadań. Na przykład wprowadzenie temperamentalnego systemu muzycznego pozwoliło znacznie uprościć transport dzieł. Teraz granie tej samej kompozycji w różnych tonacjach nie wymaga powtórnej nauki. Jeśli ktoś zna podstawy teorii muzyki i harmonii, będzie mógł zagrać utwór w dowolnej tonacji. Wieloletnie doświadczenie pozwala zrobić to wystarczająco szybko.

Funkcje

Strojenie temperamentalne okazało się przydatne przede wszystkim w wykonywaniu muzyki wokalnej. Wraz z jego wprowadzeniem śpiewacy otrzymali możliwość wykonywania utworów w najwygodniejszym dla siebieton dla nich. Oznacza to, że wokaliści pozbyli się nadmiernego obciążania strun głosowych, wydając zbyt niskie lub wysokie dźwięki, nietypowe dla ich zakresu. Oczywiście takie swobodne obchodzenie się z materiałem muzycznym nie jest mile widziane we wszystkich gatunkach. Przede wszystkim dotyczy muzyki klasycznej. Na przykład wykonanie arii operowych w tonacjach innych niż oryginalne jest uważane za niedopuszczalne.

Niedopuszczalne jest również przewożenie symfonii, klasycznych koncertów instrumentalnych, sonat, suit i utworów wielu innych gatunków. W przeciwieństwie do muzyki pop, znacznie większe znaczenie ma tu tonalność. Historia zna przykłady niektórych kompozytorów posiadających „kolorowe” ucho muzyczne. Oznacza to, że dla tych artystów każdy klucz był powiązany z pewnym odcieniem. Skriabin i Rimski-Korsakow różnili się w tym postrzeganiu muzyki.

Inni kompozytorzy klasyczni, chociaż nie mieli tak „podbarwionego” postrzegania dźwięku, nadal wyróżniali tonacje innymi cechami (ciepło, nasycenie itp.). Przenoszenie ich prac w dowolnych tonacjach jest niedopuszczalne, gdyż wypacza intencje autora.

Niezbędny pomocnik

Jednak nawet tacy kompozytorzy nie negowali znaczenia równości temperamentu dla rozwoju sztuki muzycznej. Swobodne przejście z jednego klawisza do drugiego ma nie tylko oczywistą „praktyczną” korzyść, ponieważ pozwala wykonawcom czuć się komfortowo, gdygranie i śpiewanie. Przy odpowiednim doborze tonacji głos wokalisty brzmi znacznie jaśniej i bardziej naturalnie niż wtedy, gdy robi wszystko, co w jego mocy, aby wykonać nietypowe dla swojego zakresu (niskie lub wysokie) dźwięki.

Skala temperatury (a co za tym idzie swobodna zmiana klawiszy) daje możliwość pisania prac z dużą ilością odchyleń tonalnych i modulacji. A to z kolei jest żywą techniką wizualną, która była szeroko stosowana w muzyce klasycznej. Wraz z nadejściem ery pop-artu użycie modulacji stało się jeszcze ważniejsze. Dlatego w improwizacjach jazzowych często stosuje się sekwencje harmoniczne, przechodzące od jednej tonacji do drugiej. Dlatego skalę temperamentu można nazwać jednym z motorów postępu w muzyce.

Historia

Teoretyczne badania w dziedzinie muzyki rozpoczęły się w czasach starożytnych. Jednym z pierwszych naukowców, którzy zaczęli zwracać uwagę na formację, był starożytny grecki matematyk Pitagoras. Jednak jeszcze przed narodzinami tej wybitnej osoby istniało wiele instrumentów muzycznych z już ukształtowanym systemem. Ludzie, którzy na nich grali, często nie mieli pojęcia ani o fizycznych właściwościach dźwięku, ani o podstawach teorii muzyki. Nauczyli się swojej sztuki, intuicyjnie rozumiejąc wiele jej mądrości.

Oznacza to, że w tym odległym czasie ludzie metodą prób i błędów nauczyli się praw akustycznych, które leżą u podstaw teorii muzyki i harmonii. A te nauki, jak wiecie, nie są gorsze w swojej złożoności od wyższej matematyki. Jeden myśliciel powiedział później:że muzycy i kompozytorzy nieświadomie angażują się w rozwiązywanie najbardziej złożonych problemów fizycznych i matematycznych. Pierwszym poważnym badaczem tych zagadnień był wspomniany już Pitagoras.

System pitagorejski

Starożytny grecki naukowiec przeprowadzał eksperymenty z dźwiękiem najprostszego instrumentu muzycznego, który składał się z drewnianego korpusu i rozciągniętego na nim źródła dźwięku - jednej struny.

Wymyślił swój własny system, który nazwano pitagorejczykiem. Dźwięki w nim ułożone były w czystych kwintach. Zastosowanie takiego systemu pozwoliło niektórym instrumentom na zmniejszenie liczby strun. Wcześniej wszystkie instrumenty były ułożone jak harfa, to znaczy każda z ich strun mogła wydobyć tylko jedną nutę. Nie stosowano szczypania palców. Jednak wraz z wprowadzeniem systemu pitagorejskiego muzycy nadal nie mogli zmienić tonacji ani całego utworu, ani żadnej jego części. Ten system strojenia był używany do średniowiecza. Następnie organy do wykonywania muzyki kościelnej zostały nastrojone według starożytnego modelu greckiego. System ten oprócz wymienionych wad miał jeszcze dwie wady. Po pierwsze, skala w nich nie była zamknięta. Oznacza to, że po rozpoczęciu grania gamy od do nie można było dojść do tej samej nuty, ale wyższej oktawy.

Po drugie, instrumenty nastrojone w ten sposób zawsze miały kilka tak zwanych „wilczych” dźwięków, czyli klawiszy lub progów, których dźwięk wybijał oś z tonacji, w której strojono cały instrument.

Muzyka przed barokiem

Muzycy, kompozytorzy i twórcy instrumentów w średniowieczu nieustannie poszukiwali idealnego strojenia. Artyści wędrowni słynęli z wirtuozowskiej gry na lutni. Przy akompaniamencie tego instrumentu zostały wykonane komiczne wersety na aktualne tematy. Artyści musieli ponownie nastroić swój instrument w poszukiwaniu odpowiedniej tonacji, która pasowałaby do zakresu ich głosu, a to wymagało czegoś więcej niż tylko rozluźniania lub napinania strun, jak ma to miejsce obecnie.

Ta procedura wymagała zmiany progów. Nie były mocno przytwierdzone do podstrunnicy, jak ma to miejsce w nowoczesnych gitarach. Następnie zastąpiły je uprzęże wykonane ze skóry zwierzęcej i swobodnie poruszające się po podstrunnicy. Tak więc przy przebudowie instrumentu te progi również musiały zostać przesunięte. To nie przypadek, że w tamtych czasach żartowali, że lutniści spędzają jedną trzecią życia na strojeniu instrumentu.

Poza tym w systemie pitagorejskim nie było pojęcia enharmonicznych równych dźwięków. Oznacza to, że nuta „Fis” nie brzmiała wtedy jak „Gs”.

Różne opcje

Prawie nowoczesny system strojenia sięga czasów Jana Sebastiana Bacha.

Nazywało się to „dobrym strojeniem”. Jaka była jego istota? Jak już wspomniano, wcześniej nie było równych dźwięków enharmonicznych. To znaczy, gdyby istniało wówczas nowoczesne pianino, to między klawiszami „do” i „re” powinny być dwaczarne: cis i d, zamiast dzisiejszej, która spełnia obie te funkcje.

Za czasów Jana Sebastiana Bacha dużą popularność zyskała muzyka w tonacjach z dużą ilością krzyżyków i bemoli. Kompozytorzy zaczęli stosować podstępne posunięcie – dla wygody wykonania często dokonywali substytucji enharmonicznych. Na przykład zamiast „Gs” zaczęto pisać w partyturze „fis”. Ale te notatki nie były sobie wtedy równe. Czyli ich dźwięk, choć niewiele, ale inny. Dlatego słuchanie takiej muzyki sprawiało, że ludzie czuli się trochę nieswojo.

Niedokładne, ale wygodne

Wkrótce znaleziono wyjście z tej sytuacji. Dwie nuty znajdujące się pomiędzy sąsiednimi stopniami skali zostały zastąpione jedną, która znajdowała się pomiędzy nimi. Dźwięk ten był tylko w przybliżeniu równy tym dwóm nutom, a raczej była to ich średnia wartość. Niemniej jednak taka innowacja otworzyła możliwości dla kompozytorów i wykonawców.

Wagi naturalne i hartowane

Naturalna skala to taka, która zawiera tylko główne stopnie skali. Stosunki między nimi są następujące: dwa tony - półton - trzy tony - półton. Zgodnie z tym schematem strojone są najprostsze instrumenty ludowe: piszczałki, piszczałki i tak dalej.

Na każdym z nich można grać tylko w dwóch tonacjach - durowej i molowej.

Powstanie nowego zamówienia

W XVIII wieku kilku teoretyków muzyki zaproponowało wprowadzenie nowego strojenia. WW nim oktawa została podzielona na 12 nut, opóźnionych o dokładnie pół tonu. Ten system nazywa się równym temperamentem. Miała wielu zwolenników, ale była też wystarczająca liczba ostrych krytyków. Rolę twórcy systemu temperowanego przypisuje się kilku osobom jednocześnie. Najczęściej brzmią w tym kontekście nazwiska Heinrich Gramateus, Vincenzo Galilei i Maren Marsenna.

Sprzeczność

Na pytanie „Jaka skala nazywa się równym temperamentem?” Poniższą odpowiedź można uznać za całkiem kompletną: „Jest to system, w którym oktawa zawiera dwanaście nut ułożonych w półtonach”. Niektórzy krytycy tego podejścia do strojenia instrumentów stwierdzili, że nie jest ono idealnie dokładne, a naturalne strojenie brzmi znacznie czyściej. To w tym systemie śpiewają i grają muzycy amatorzy z ludu. We wspomnieniach pisarza, kompozytora i teoretyka muzyki Władimira Odoewskiego można znaleźć opowieść o tym, jak kiedyś zaprosił do siebie jednego takiego śpiewaka. Gdy Odoevsky zaczął towarzyszyć gościowi, usłyszał, że skala temperamentu fortepianu nie pasuje do nut, które śpiewała ta osoba.

Po tym incydencie kompozytor nastroił swój fortepian w inny sposób. Jego dźwięk jest zbliżony do naturalnego.

Wniosek

Stało się to w XIX wieku. Ale spory między zwolennikami i przeciwnikami systemu wyrównanego temperamentu w muzyce wciąż się nie kończą. Pierwsza z nich zabezpiecza możliwość swobodnego przejścia na różne tonacje, a druga to czystość stroju instrumentu. Są też innebardziej egzotyczne opcje dostosowywania. Przykładem jest gitara mikrotonowa. Ale zdecydowana większość instrumentów na świecie wciąż ma jednakowy temperament.