Konstruktywizm w malarstwie. Style i trendy w sztukach wizualnych

2024 Autor: Leah Sherlock | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 05:46

Gwałtowny postęp technologiczny początku ubiegłego stulecia dał początek najnowszym nurtom w sztuce, a co za tym idzie trendowi niszczenia tradycyjnych kanonów, poszukiwania innych form i zasad estetycznych. Najwyraźniej wyrażało się to w awangardzie – zespole zjawisk artystycznych pierwszej tercji XX wieku. Jednym z licznych nurtów awangardowych był styl konstruktywizmu, który powstał w młodym państwie sowieckim w latach 1920-1930. Jest również nazywany sztuką „przemysłową” lub „budowlaną”.

Obszary wpływów i dystrybucji

Konstruktywizm w malarstwie jest zbyt słabo wyrażony, kierunek kojarzy się głównie z architekturą, w której najbardziej charakterystyczne są proste formy geometryczne i ekstremalna funkcjonalność. Ale zasady konstruktywizmu, wszechstronnie i szybko rozprzestrzeniające się, wywarły również istotny wpływ na grafikę, wzornictwo przemysłowe,fotografia, teatr, kino, taniec, moda, beletrystyka i muzyka tamtego okresu.

Sowiecki konstruktywizm wywarł znaczący wpływ na współczesne ruchy twórcze XX wieku, nie tylko w kraju bolszewickim. Konsekwencje jego wpływu można prześledzić w głównych nurtach niemieckiej szkoły projektowania Bauhaus i holenderskiego ruchu artystycznego De Stijl, w twórczości mistrzów Europy i Ameryki Łacińskiej.

Pojawienie się terminu

Termin „sztuka budowania” został po raz pierwszy użyty jako sarkastyczne wyrażenie przez Kazimierza Malewicza w 1917 roku, opisując dzieło Aleksandra Rodczenki. Termin „konstruktywizm” ukuli rzeźbiarze Antoine Pevsner i Nahum Gabo. Ten ostatni wypracował industrialny, kanciasty styl pracy, a za swoją geometryczną abstrakcję zawdzięczał coś suprematyzmowi Malewicza. Termin ten pojawia się po raz pierwszy w „Manifeście Realistycznym” N. Gabo (1920), a następnie jako tytuł książki Aleksieja Gana (1922).

Narodziny i rozwój ruchu

Konstruktywizm wśród wielu stylów i nurtów w sztukach wizualnych ukształtował się na gruncie rosyjskiego futuryzmu, w szczególności pod wpływem tzw. Vladimira Tatlina, wystawionego w 1915 roku. Był (podobnie jak Kazimierz Malewicz) jednym z pionierów geometrycznej sztuki abstrakcyjnej, założycielem awangardowego ruchu suprematystycznego.

Koncepcja nowego kierunku powstała w MoskwieInstytut Kultury Artystycznej (INKhUK) w latach 1920 - 1922 pierwsza grupa robocza konstruktywistów. Lyubov Popova, Alexander Vesnin, Rodchenko, Varvara Stepanova, Alexei Gan, Boris Arvatov i Osip Brik, na czele z pierwszym przewodniczącym grupy Wasilij Kandinsky, opracowali teoretyczną definicję konstruktywizmu jako nierozłącznego połączenia głównych elementów kultury przemysłowej (budownictwa)., teksturę i specyficzne właściwości materiałowe obiektu wraz z jego położeniem przestrzennym).

Zasady i funkcje

Zgodnie z konstruktywizmem sztuka jest środkiem przeznaczonym wyłącznie do artystycznego projektowania przedmiotów użytkowo-użytkowych, praktycznych. Ekspresyjna, lakoniczna forma dzieł, pozbawiona wszelkiego rodzaju „piękna” i „dekoracji”, powinna być jak najbardziej funkcjonalna i zaprojektowana do wygodnego wykorzystania w produkcji masowej (stąd określenie „sztuka produkcyjna”).

Nieobiektywizm zmysłowo-emocjonalnych form Kandinsky'ego czy racjonalno-abstrakcyjna geometria Malewicza zostały ponownie przemyślane przez konstruktywistów i przekształcone w rzeczywiste obiekty przestrzenne. W ten sposób pojawił się nowy projekt odzieży roboczej, wzorów tkanin, mebli, przyborów i innych artykułów konsumpcyjnych, a także narodził się charakterystyczny wygląd plakatów z czasów sowieckich.

Specjalna asceza w malarskich środkach wyrazu wyróżnia ten nurt wśród podobnych stylów, ale pod wieloma względami uogólnia go z racjonalizmem. Oprócz ideologii teoretycznej,konstruktywizm wyróżnia się takimi właściwościami zewnętrznymi:

1. Mały zakres tonalny od niebieskiego, czerwonego, żółtego, zielonego, czarnego, szarego i białego. Kolory niekoniecznie były lokalnie czyste, często używano ich przyciemnionych, stonowanych wariantów, ale nie więcej niż 3-4 na raz.
2. Kształty i linie wyraziste, proste, nieliczne, ograniczone do pionowego, poziomego, ukośnego lub regularnego kształtu koła.
3. Kontury obiektów sprawiają wrażenie monolitycznej struktury.
4. Istnieje tak zwana estetyka „maszyny”, która wyświetla idee, mechanizmy, części, narzędzia w zakresie inżynierii graficznej lub przestrzennej.

Sztuka konstrukcji i produktywizmu autorstwa Tatlina

Kluczowym punktem tego kierunku był model Władimira Tatlina, zaproponowany do budowy pomnika Trzeciej Międzynarodówki (1919 - 1920). Projekt musiał łączyć estetykę maszyny z dynamicznymi komponentami, które celebrowały technologie, takie jak reflektory i ekrany projekcyjne.

W tym czasie praca Gabo i Pevsnera nad „Manifestem Realistycznym”, który potwierdza duchowy rdzeń ruchu, dobiegała końca. Gabo publicznie skrytykował projekt Tatlina, mówiąc: „Albo stwórz funkcjonalne domy i mosty, albo stwórz czystą sztukę, i nie w tym samym czasie”. Idea wznoszenia pomników bez praktycznego zastosowania kłóciła się z utylitarno-adaptowalną wersją konstruktywizmu. Ale jednocześnie projekt Tatlinaw pełni odzwierciedlała nową progresywną ideę formy, użytych materiałów i produkcyjności kreacji. Wywołało to poważne kontrowersje i kontrowersje wśród członków grupy moskiewskiej w 1920 roku.

Niemieccy artyści uznali twórczość Tatlina za rewolucyjną w międzynarodowej, a nie tylko sowieckiej sztuce. Rysunki i zdjęcia modelu zostały opublikowane w magazynie Taut Fruhlicht. Wieża Tatlińska stała się początkiem wymiany twórczych idei „sztuki budowlanej” między Moskwą a Berlinem. Pomnik miał stanąć w Leningradzie, ale z braku pieniędzy w okresie porewolucyjnym nie zrealizowano tego planu. Mimo to wizerunek wieży Tatlin pozostał rodzajem symbolu konstruktywizmu i światowej awangardy.

Utalentowany artysta samouk, założyciel ruchu, Tatlin był pierwszym konstruktywistą, który próbował zaoferować swoje umiejętności projektowe w produkcji przemysłowej: projekty ekonomicznego pieca, odzieży roboczej, mebli. Należy zauważyć, że były to bardzo utopijne pomysły, jak jego wieża i maszyna latająca „letatlin”, nad którą pracował do lat 30.

Konstruktywizm w malarstwie

Sama idea ruchu, wykluczająca czystą sztukę i wszelką „piękno”, zaprzeczyła już malarstwu jako formie twórczości, która nie jest zdolna do zaspokojenia utylitarnych potrzeb ludzi. Nowy artysta został ogłoszony inżynierem, który tworzy rzeczy, które muszą wpływać na świadomość i sposób życia człowieka. Postulat „…nie dekoruj ścian obrazami, tylko je maluj…” oznaczał ślepy zaułek dla malarstwa sztalugowego – element estetyki mieszczańskiej.

Artyści konstruktywistycznizrealizowali swój potencjał w plakatach, projektach wzorniczych produktów przemysłowych, projektowaniu przestrzeni publicznych, szkicach tkanin, ubrań, kostiumów i scenografii dla teatru i kina. Niektórzy, jak Rodchenko, odnaleźli się w sztuce fotografii. Inni, jak Popova w swoim cyklu Space-Force Constructions, argumentowali, że ich obrazy są pośrednim etapem na drodze do projektowania inżynierskiego.

Nie w pełni ucieleśniony w malarstwie, konstruktywizm przyczynił się do rozwoju sztuki kolażu i instalacji przestrzenno-geometrycznej. „Kontr-reliefy” Tatlina i „prouns” El Lissitzky'ego służyły jako źródło ideologiczne. Prace, w istocie, jak malowanie sztalugowe, nie miały praktycznego zastosowania, ale wyglądały jak fantastyczne osiągnięcia inżynierskie i wyglądały w duchu technogenicznym tamtych czasów.

Prouny

Opracowane na początku lat dwudziestych przez artystę i architekta El Lissitzky'ego tzw. nowe projekty artystyczne („prouns”) były abstrakcyjnymi kompozycjami geometrycznymi wykonanymi w malowniczej, graficznej formie w formie aplikacji i trzech architektura wielowymiarowa. Wielu artystów (nie tylko konstruktywistów) w swoich obrazach z lat 20. przedstawiało takie „prouns”, które pozostały abstrakcyjnymi obrazami. Ale wiele prac Lissitzky'ego zostało później wdrożonych w meblach, wnętrzach, projektach teatralnych lub zostało wcielonych jako instalacje dekoracyjne i przestrzenne.

Sztuka w służbie agitacji

W połowie lat 20. - 30. ustanowiono specjalny styl plakatów z czasów sowieckich, które później stały się osobną sekcją projektową. Obejmowała plakaty teatralne i filmowe, reklamę komercyjną i przemysłową. Zwolennicy ruchu, podchwytując sentencję Majakowskiego, nazywali siebie „konstruktorami reklamy”. W tym samym okresie ukształtował się charakter plakatu propagandowego jako jednego z mechanizmów wpływania na świadomość mas.

Konstruktywiści jako pierwsi zastosowali techniki kolażu do plakatu w Rosji, łącząc rysunek, fotografię i elementy produktów typograficznych. Czcionka, a także starannie przemyślane rozmieszczenie tekstu, odgrywała szczególną rolę artystyczną i często przypominała lakoniczny ornament graficzny. Wypracowane w tamtych latach artystyczne metody projektowania plakatów pozostały podstawowe przez cały okres sowiecki.

Progresywna fotografia Rodczenki

Sprzeczność między utylitarnymi ideami konstruktywizmu w malarstwie przeciwstawiona została ich ucieleśnieniu w fotografii - prawdziwym odzwierciedleniem samego życia. Unikalne dzieła wieloaspektowego artysty Aleksandra Rodczenki uznawane są za arcydzieła tej formy sztuki.

Nie szczędząc materiałów eksploatacyjnych, próbował uchwycić każdy obiekt lub czynność w różnych warunkach i pod różnymi kątami. Pod wrażeniem fotomontażu niemieckich dadaistów jako pierwszy zastosował tę technikę w Rosji. Jego debiutancki fotomontaż, wydany w 1923 roku, ilustrował wierszMajakowski „O tym”. W 1924 roku Rodchenko stworzył prawdopodobnie najsłynniejszy jego montaż plakatów, reklamę wydawnictwa Lengiz, czasami określaną mianem „Książki”.

Dokonał rewolucji w kompozycji: natura była przez niego fotografowana niezwykle malowniczo i często przypomina rytmiczny wzór graficzny lub abstrakcję. Jednocześnie jego obrazy są niezwykle dynamiczne, można je ogólnie scharakteryzować hasłem: „Czas, naprzód!”. Prace Rodczenki uderzały także tym, że często były kręcone z dość nietypowych kątów, dla których fotograf musiał czasem zająć wręcz oszałamiające pozycje.

Przełomowe zdjęcia Rodczenki pozostały klasyką dla pokoleń fotografów i zainspirowały wielu projektantów. Na przykład Rodchenko zawdzięcza sukcesy swoich licznych prac amerykańska artystka konceptualna Barbara Kruger. A wariacje jego fotograficznego portretu Lilii Brik i plakatu „A Sixth of the World” stały się podstawą okładek albumów muzycznych zagranicznych zespołów punkowych i rockowych.

Rosyjski konstruktywizm w sztuce światowej

Niektórzy konstruktywiści nauczali lub wykładali w szkole Bauhaus, gdzie przyjęto i rozwinięto niektóre z metod nauczania VKHUTEMAS. Za pośrednictwem Niemiec zasady stylistyczne „emigrowały” do Austrii, Holandii, Węgier i innych krajów europejskich. W latach 1930 - 1940 jeden z przywódców światowej awangardy, Naum Gabo, założył w Anglii wariant konstruktywizmu, który powstał po I wojnie światowej wBrytyjska architektura, design i różne dziedziny twórczości artystycznej.

Twórca ruchu konstruktywistycznego w Ekwadorze, Seminarium Manuel Rendon i artysta z Urugwaju, Joaquin Torres Garcia, odegrali ważną rolę w szerzeniu tego stylu w krajach Europy, Afryki i Ameryki Łacińskiej. Konstruktywizm w malarstwie wyraża się w pracach współczesnych artystów latynoamerykańskich: Osvaldo Viteriego, Carlosa Meridy, Theo Constante, Enrique Tabary, Anibala Villaka i innych równie znanych mistrzów. Zwolennicy konstruktywizmu pracowali także w Australii, z których najsłynniejszym był artysta George Johnson.

Grafik Neville Brodie odtworzył styl lat 80. w oparciu o konstruktywistyczne plakaty radzieckie, które wzbudziły żywe zainteresowanie koneserów sztuki współczesnej. Nick Phillips i Ian Anderson w 1986 roku stworzyli słynne studio graficzne The Designers Republic w Sheffield w Anglii, oparte na ideach konstruktywistycznych. Ta silna firma nadal się rozwija, szczególnie w kierunku logo muzycznych i okładek albumów.

Od początku lat trzydziestych, kiedy wszelkie postępowe i awangardowe trendy zostały zakazane w kraju sowieckim, konstruktywizm nadal się rozwijał i wpływał na światową sztukę za granicą. Straciwszy swoją ideologiczną podstawę, styl stał się podstawą dla innych dziedzin, a jego elementy wciąż można doszukiwać się we współczesnej sztuce, designie i architekturze.